Pel·lícules pràcticament impecables

Per Nolan Moore/1 de març de 2018 12:51 pm EDT/Actualitzat: 22 de març de 2020 22:30 EDT

El fet de filmar és un procés insanament difícil. Hi ha tantes persones implicades, cadascuna amb la seva pròpia visió creativa, que pot costar que tothom tingui la mateixa pàgina. A més, heu de resoldre problemes que van des del finançament fins a la programació fins a accidents fixats.

Amb totes les reescripcions, projeccions de proves i edicions d’última hora, és sorprenent que qualsevol pel·lícula es faci en absolut. Com a resultat, hi ha moltes pel·lícules que són només mediocres. Però de tant en tant, tot s’ajusta perfectament. Obteniu el guió adequat amb el director adequat amb el repartiment i la tripulació adequats, i només podríeu aconseguir una pel·lícula perfecta. Aquestes pel·lícules són poques i molt llunyanes, però, quan s’acompanyen, ja sabeu que de seguida heu trobat una pel·lícula perfecta.



Mulholland Drive (2001)

Al llarg dels anys, el surrealisme ha tingut diversos campions cinematogràfics, des de Luis Buñuel fins a Alejandro Jodorowsky, però el mestre actual del moviment és David Lynch. L'home té un autèntic atac per extreure el subconscient i crear imatges terrorífiques de malson. Per exemple, n’hi haCap d'esborradori la tercera temporada deTwin Peaks, però si voleu veure Lynch a l’altura dels seus poders de flexió mental, feu una ullada a la seva opció magnífica,Mulholland Drive.

Explicar la trama és com intentar descriure un somni profund i pertorbador. La pel·lícula comença quan una actriu innocent anomenada Betty (Naomi Watts) arriba a Hollywood amb l'esperança de fer-la gran. Aviat s’embolica en una estranya trama que implica una bella morena (Laura Elena Harring) que pateix amnèsia, però com Roger Ebertassenyalata la seva ressenya original,Mulholland Driverasa la trama tradicional i, en canvi, 'funciona directament sobre les emocions, com la música'. Al cap i a la fi, la majoria de masses de la pel·lícula és un somni real, i treballant a través d’un inconscient desconcertat d’una dona, Lynch explora les obscures maquinacions de Hollywood i la freqüència amb què els nostres grandiosos objectius deixen pas a la desesperació.

I mentre esteu passant per tota aquesta lògica dels somnis: què passa amb la clau blava i la caixa blava? - Lynch et manté enganxat a la pantalla amb seqüències fascinants com el número musical del Club Silencio, l’audició de Betty’s caiguda amb la mandíbula i el moment estrany quan un director coctel (Justin Theroux) es troba amb el vaquer més esgarrifós del món. I, per descomptat, hi ha una de les escenes més espantoses de la història de Hollywood, una masterclass en tensió que no implica res més que dos homes en un restaurant. Combina tot allò amb la potencia de Naomi Watts d'una actuació, i no és d'estranyar que la BBC hagi anomenat aquesta obra mestra surrealistapel·lícula més gran del segle XXIfins ara.



Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)

Michel Gondry és un director conegut per la seva imaginació capritxosa i màgica. Charlie Kaufman és un guionista conegut pel seu pessimisme i una originalitat insana. Quan els dos van combinar els seus poders cinematogràfics el 2004, van crear una gran història romàntica prou valent per fer una mirada llarga i dura al costat lleig de l’amor i al funcionament de les relacions.

Eterna insolació de la ment impecable protagonitza Jim Carrey com Joel Barish, un home solitari i tímid que coneix una dona sortint anomenada Clementine (Kate Winslet). Després que la seva relació pren un gir, Clementine experimenta un procés per eixugar els records de Joel de la seva ment. Perjudicat, Joel segueix el mateix procediment, però a mesura que els tècnics esborren els seus records de Clementine, Joel canvia d'opinió i decideix tornar-se a combatre, arrossegant desesperadament records de la seva exparella al seu subconscient.

Utilitzant una impactant quantitat d'efectes pràctics, aquest romanç inventiva salta pel temps i dansa dins i fora dels records, ja que Joel torna a viure tant els moments feliços com els horribles de la seva relació, tot descobrint la causa de la ruptura. El guió intel·ligent de ciència-ficció de Kaufman va guanyar un premi acadèmici amb Gondry al capdavant, Eterna insolació de la ment impecable explora audaçment què passa quan la fresca i nova lluentor es posa en marxa i es deixa que la parella s’ocupi de les falles i els defectes dels altres. La pel·lícula no ignora el dolor i els entrebancs de fer que una relació funcioni, i examinant les diferents etapes del romanç, es tracta d’una pel·lícula que canvia i creix amb cada visionat.



Shaun of the Dead (2004)

Més de 35 anys desprésNit dels morts vivents, Edgar Wright va ressuscitar el gènere zombi Shaun dels morts, una comèdia romàntica amb Queen, caníbals i paletes de cricket. La pel·lícula de Wright va prendre el gènere mort i el va tornar a la vida, donant-li un gir còmic. Per descomptat, tampoc no es va enganxar al gènere.Shaun dels morts és la combinació perfecta de rialles, espantos i dramatismes desgarradors.

La història segueix un somiador anomenat Shaun (Simon Pegg) que es veu obligat a créixer quan l'apocalipsi zombi descendeix sobre la seva petita ciutat britànica. Amb l'ajuda del seu millor amic Ed (Nick Frost), Shaun continua buscant per salvar els seus amics i la seva família, rescatar la seva relació i resoldre problemes amb el seu fillastre. Gràcies a l'experiència que Wright va fer de l'edició i de la música, la pel·lícula es va omplir de brillants tocs còmics rècord de la batalla de llançament fins al 'No m'aturen ara'enfrontament. I amb Pegg i Wright escrivint el guió, Shaun dels morts és bàsicament el model de com escriure la comèdia perfecta. Simplement escolteu aixòMonòleg de Nick Frost que configura la resta de la pel·lícula. És brillant.

Però tots riuen i no se sent per a una pel·lícula avorrida i és aquí Shaun dels morts s’alça per sobre de la teva comèdia de terror típica Per descomptat, els personatges són desenfadats, però són reals, així que quan experimenten dolor i tristesa, la pel·lícula ens permet plorar juntament amb ells. El moment en què Shaun s’enfronta a la seva mare zombificada és absolutament agònic, i si no deixeu passar algunes llàgrimes durant l’adéu final d’Ed i Shaun, bé, potser podríeu ser un dels morts no morts. Si bé està editat i està escrit amb meravella, Shaun dels morts funciona tan bé perquè és una pel·lícula amb molt de cor.

The Grand Budapest Hotel (2014)

En retrospectiva, sembla que tota la carrera de Wes Anderson es va anar construintEl Grand Budapest Hotel. Era el seu Pel·lícula amb més reconeixement, un dels seus pel·lícules més estimades per la crítica, i va marcar la primera vegada que Anderson va rebre un any Nominació a l’Oscar per dirigir. Què hi havia darrere de la popularitat de la pel·lícula?

És la combinació perfecta de totes les coses d’Anderson, des del seu minuciós edifici mundial i diàleg enginyós fins a l’aire malenconiós que abasta totes les seves pel·lícules. Però aquí, porta les coses encara més lluny, utilitzant múltiples cronologies i proporcions d’aspectes per explorar la nostàlgia, les maneres i la història europea, tot passejant amb força entre la innocència del vell món i el pessimisme de la Segona Guerra Mundial. És un conte capritxós amb horror a l'horitzó, on els nostres herois aconsegueixen tenir una última aventura madcap abans que la societat educada es desmoroni.

La trama compta amb un noi del vestíbul anomenat Zero (Tony Revolori) que ve a treballar per al flamant i de males mans Monsieur Gustave (Ralph Fiennes) al Grand Budapest Hotel. Situat a les muntanyes nevades europees, l'hotel és una de les majors creacions d'Anderson, amb colors pastel i habitacions complexes, perfectament dissenyades per a aquest món fantàstic. Amb el temps, Zero i Gustave són xuclat per un delicte que involucrava una comtessa morta, una pintura valuosa i un terrorífic terrorífic, i a mesura que la pel·lícula s’avança, Anderson ens ofereix comèdies macabres, escenes d’acció estilitzades i alguns dels personatges més adorables i peculiars de la seva carrera professional.

De debò, on més podreu veure una persecució d'esquí de stop-motion, una escapada a la presó amb pastisseria i una societat secreta de conserges de colors? Amb una brillant interpretació de Fiennes (poseu aquest home a més comèdies, si us plau), El Grand Budapest Hotel és un aire de fantasia fantasiós en un món ple de superherois de pressupost gran. És una prova que l’estil i la substància poden anar de la mà o, com a mínim, els dos poden mantenir la il·lusió amb una gràcia meravellosa.

Creieu (2015)

Molta gent es mostrava escèptica quan va sentir que hi havia una nova entrega a la web Pedregós franquícia, però quan el segon film de Ryan Coogler va arribar als cinemes, els crítics i els aficionats van quedar gratament sorpresos pel poder eliminatori de la pel·lícula. No va ser només una continuació correcta. Va ser la millor entrada de la sèrie des de l'original de 1976, i segons la gent Cinefix assenyalen que la setena pel·lícula de la franquícia va ser 'un primer instrument de Hollywood sobre com passar una torxa'.

Amb Michael B. Jordan al capdavant, Creieu se centra en Adonis Creed, el fill del desaparegut gran campió Apollo Creed. Adonis té ganes de lluitar i es desespera de demostrar-se, i es dirigeix ​​al mític Rocky Balboa (Sylvester Stallone) per ajudar-lo. Quan Adonis es dirigeix ​​cap a un títol de títol, Ryan Coogler es basa en la mitologia de la franquícia de maneres emocionants. Per exemple, posa un nou gir a l'escena de carrera obligatòria, donant al moment una nova potència i un cop de puny emocional. I després hi ha el moment en què Adonis va lluitar contra el campió i el famós Pedregós el tema comença a jugar. Com a crític de cinema Siddhant Adlakha destaca que 'potser és el moment cinematogràfic familiar més conegut i la nota musical de la memòria recent'.

Però Coogler també aconsegueix agafar la franquícia en una nova direcció amb un emocionant nou personatge principal. Michael B. Jordan és el seu joc A aquí, donant-nos un heroi que no és un clon de Rocky Balboa, sinó un protagonista amb els seus propis objectius únics. I la pel·lícula està plena de propis moments únics, com el virtuós partit de boxa d'un tret i el cop de puny d’una seqüència durant la qual Adonis va fer caixes d’ombres contra les antigues imatges del seu pare.Creieu Va ser una pel·lícula de debò que va desafiar les expectatives de tothom, i que pot mantenir-se amb les millors seqüeles de tots els temps.

Mad Max: Fury Road (2015)

El gènere d’acció és una de les formes més pures del cinema. Per descomptat, podeu descriure escenes de baralla en un llibre i podeu fer coses interessants a l'escenari, però les escenes d'acció i les càmeres de pel·lícules es van crear entre elles. Durant el segle passat o més o menys, el gènere d’acció ens ha proporcionat algunes pel·lícules realment impressionants El Gran Robatori de Tren (1903) a Pantera Negra (2018). Però si voleu reduir el gènere fins a la seva essència xifrada d’adrenalina i veure una pel·lícula amb energia nitro, benzina i cinètica, no busqueu més Mad Max: Fury Road.

Dirigida per George Miller, Fury Road troba a Max Rockatansky (Tom Hardy) unint-se amb l'Imperator Furiosa (Charlize Theron) per rescatar cinc esclaus sexuals del cap de guerra local (Hugh Keays-Byrne) i el seu exèrcit de Flamers, Polecats i Warboys. L’intent d’escapament llança una persecució massiva de cotxes a través del desert, una que va trigar més de 150 persones acrobàcies gravar. Es van disparar més de 300 seqüències, la majoria al desert de Namib, i segons Miller, al voltant 90 per cent de les acrobàcies que veiem són reals. Hi ha motocicletes que surten per camions, homes que es desplacen cap endavant i enrere en pals gegants i, en una escena, hi ha 75 vehicles que esquincen per la sorra, sota l’atenta mirada de Miller i el seu coordinador de truques Guy Norris.

A més de les explosions i les restes de cotxes, Miller i el cinematògraf John Seale van fer una pel·lícula tan bonica que pertany a un museu d'art. Hi ha la fantàstica imatge del santuari del volant, el cop impressionant de Furiosa que s’enfonsa a la sorra i el moment impressionant quan l’armada cau en una tempesta de sorra. Les seqüències de nit blava són indiscutiblement magnífiques, i la construcció del món està, bé, fora d’aquest món. Miller va crear un univers poblat amb àvies ciclistes, Crow Fishers i adolescents guerrers que somien amb Valhalla. En resum, Fury Road pot ser la pel·lícula d'acció perfecta.

Manchester by the Sea (2016)

Algunes pel·lícules estan destinades a entretenir-se, mentre que d'altres tenen alguna cosa important a dir. I després hi ha pel·lícules que ens poden ajudar a processar emocions potents que preferim no enfrontar, com el dolor. Els cineastes han explorat el tema en diversos gèneres, des de la fantasia (Quins somnis poden arribar) i thriller (La invitació) al drama directe (A l'habitació). Però a l’hora d’afrontar el dolor i la pèrdua, Manchester al costat del mar potser és el més agònic de tots.

christina ricci 2018

Escrit i dirigit per Kenneth Lonergan, Manchester al costat del mar narra la història de Lee Chandler (Casey Affleck), un conseller aïllat i irritable que torna a la seva ciutat natal després de la mort del seu germà. Però anar a casa suposa molts problemes per a Lee. No només es mostra commocionat en saber que ara és tutor del seu nebot adolescent (Lucas Hedges), sinó que Lee també lluita per mantenir el passat a ratlla. No volem regalar massa la trama, però hi ha un motiu perquè tornar a casa és l'últim que Lee vol fer. Cada vista i so li recorda quelcom veritablement tràgic que va passar fa anys, un esdeveniment tan horrible que mai no es podria recuperar.

Aflicció va guanyar un Oscar per la seva interpretació aquí, com va fer Lonergan al millor guió original, i els dos van merèixer realment les seves petites estàtues d'or. Cada gest que Affleck fa, cada línia que ell no ho fa digueu, només fa mal de dolor. (I atacs gegantins per a Hedges i Michelle Williams, que van ser nominades per a actuacions estel·lars.) I, mentre la pel·lícula està plena de moments còmics incòmodes, l’humor aquí és insuportablement fosc -Manchester al costat del mar agafa el dolor d’una manera que la majoria de les pel·lícules no s’atrevirien. Es tracta d’una pel·lícula bellament brutal sobre viure amb dolor per sempre, i els darrers 20 minuts podrien ser els 20 minuts més devastadors que s’hagi rodat mai.

Silenci (2016)

D'Ingmar Bergman a Darren Aronofsky, els cineastes sovint han reflexionat sobre dues qüestions espirituals importants: hi ha algun déu i, si és així, què vol? I, tot i que Martin Scorsese és més conegut per les seves pel·lícules de gàngster, porta molt de temps intentant respondre aquestes preguntes. El 1988 va fer una nova mirada als evangelis L’última temptació de Cristi gairebé 30 anys després, Scorsese va tornar al cristianisme Silenci, una pel·lícula sobre la crisi de la fe d'un home quan sembla que ha estat abandonat per Déu.

Va trigar 28 anys perquè Scorsese porti Silenci a la gran pantalla, cosa que fa que la pel·lícula se senti com un acte de fe en si mateix. La trama inclou dos sacerdots jesuïtes (Andrew Garfield i Adam Driver) que es colen al Japó per trobar un mentor desaparegut (Liam Neeson) que suposadament havia apostat per la apostasia. Quan el sacerdot de Garfield és capturat pels japonesos, es troba obligat amb una decisió difícil: recantar-se i arriscar-se amb la condemna, o veure com els seus companys cristians són torturats fins a la mort. Però quan es dirigeix ​​a Déu per ajudar, no hi ha respostes, ni miracles, i el nostre heroi se sent com si estigués aixafat pel silenci de Déu.

Silenci és rodat per Rodrigo Prieto, que contrasta la bellesa del Japó amb la brutalitat dels homes crucificats que s’ofeguen al mar. La partitura composta per Kim Allen Kluge i Kathryn Kluge és impactant per la seva senzillesa, basant-se en els sons de la natura. I Garfield i Neeson són perfectes com a sacerdots torturats: quan es reuneixen, la seva batalla d’orgull i dolor és com assistir a l’acta 101. Però en última instància, com Richard Roeper va escriure en la seva ressenya, Silenciexplora la naturalesa de la fe: com pot inspirar tant l’esperança com la crueltat, com es pot arrebossar vides i donar-li forces als soldats, malgrat els seus dubtes.

La bruixa (2016)

Una de les pel·lícules de terror més inquietants de la memòria recent, La bruixa narra la història d’una família puritana que lluita per les seves vides –i les unes contra les altres– quan una força sobrenatural ataca la seva masia aïllada. Magníficament rodat i dissenyat, La bruixa Sembla que ha estat dissenyat per un veterà director, però en realitat va ser la primera pel·lícula de Robert Eggers. Mentre era només un novió, La bruixa és la definició mateixa d’una pel·lícula perfecta, sobretot quan es tracta d’aconseguir tots els detalls.

Parlant amb Per cable, Eggers va explicar les seves idees úniques a l’hora de fer La bruixa. 'Tot en el marc', va dir Eggers, 'ha de ser com si jo articulés la meva memòria d'aquest moment. Igual, aquesta era la meva infantesa com a puritana, i recordo aquell dia que el meu pare em va portar a un camp de blat de moro i el que feia olor. Com es pot capturar una 'memòria' així? Fent molta i molta recerca. Es passaven oures quatre anys estudiar l’estil de vida purità i llegir relats de primera mà sobre la possessió demoníaca. Fins i tot va agafar en préstec el diàleg real de suposades trobades sobrenaturals. Parlant a Indiewire, Eggers va revelar que algunes de les línies que diuen els nens (a la pel·lícula) quan són posseïdes són coses que haurien dit els nens reals quan van ser posseïts.

Eggers també es va implicar molt quan es tractava de conjunts i accessoris. Els vestits estaven cosits a mà, i els mobles es construïen igual que els puritans solien fer-ho. I tot i que estava disparant al Canadà, Eggers va portar un vaixell de Virgínia especialitzat en terrats del segle XVII. Eggers ho volia tot perfecte, però a més de tots els detalls, el director per primera vegada va aconseguir obtenir actuacions increïbles de tots els membres del seu repartiment, inclosos nens petits i una Cabra de 210 lliures. I si una pel·lícula pot fer por el bestiar, aleshores ja sabeu que teniu un clàssic de terror instantani a les mans.

Sortiu (2017)

Les pel·lícules poden representar-vos i les vostres experiències o us poden posar a les sabates d’algú altre. I després hi ha pel·lícules com Sortirque fan tots dos. Per als afroamericans, Sortir funciona com Jordan Peleele ho va descriure- com a documental. És una versió fictícia dels horrors que la gent negra experimenta cada dia. Per a tots els altres, mostra com és ser una persona de color que viu en un món blanc. Això tampoc perjudica això Sortircompta amb un guió assassí, una forta direcció i una interpretació digna de l'Oscar de Daniel Kaluuya.

La història segueix un jove fotògraf negre anomenat Chris (Kaluuya) que va a conèixer la família de la seva nòvia blanca. Des del moment en què es presenta a la seva finca, cuidada per servents negres, tot sembla apagat. Potser són només els acudits mal aconsellats, les mirades estranyes i les vibracions racistes casuals que rep dels pares ... o potser n'hi ha coses serioses per Ira Levin passant per darrere de les escena. Aquest és el debut de la direcció de Peele, però no ho sabríeu de la manera com va extreure la tensió fins que tot esclata en un cruixent embolcall de jiu-jitsu, tasses de te i manters de cérvols. I el guió de Peele és d’última actualitat, carregat de tocs intel·ligents (el ric villà utilitza una cullera de plata; Chris s’escapa dels seus captadors blancs utilitzant cotó) i molt estrany predefinint (“motlle negre” al soterrani). A més, en té un millors finals de terror d’aquest segle fins ara.

Per descomptat, la pel·lícula iguala les coses amb moltes rialles, sobretot cortesia de Lil Rel Howery. Però, al seu nucli, Sortir és una pel·lícula terrorífica que mira els horrors reals de la societat nord-americana. Gràcies al domini de Peele darrere de la càmera i a la capacitat de Kaluuya de mantenir-nos a terra i preocupats durant tota la bogeria, Sortir continuarà deixant anar el públic mentre la gent es trobi atrapada al lloc enfonsat.

Mandíbules (1975)

En mans menors, Mandíbules es convertiria en un monstre oblidable en un mar de pel·lícules B. (Fes un cop d’ull Mandíbules 2, Mandíbules 3-D, i Mandíbules: La venjança com a prova.) Però més de 40 anys després, continua donant una pausa a la gent abans de sortir a l’aigua. Llavors, què fixa Mandíbules a part de les teves botes de màquina? Bé, és l’home assegut a la cadira del director: l’únic Steven Spielberg.

Ningú fa tensions com Spielberg i Mandíbules és una masterclass a l’hora de crear suspens. Spielberg va ser Ruta Alfred Hitchcock i va mantenir el monstruós peix fora de la pantalla el màxim temps possible, jugant a la nostra por al desconegut. Construeix el temor fent servir fotografies de POV submarines i la puntuació de John Williams per fer-nos saber que s’acosta el tauró. Quan el Sheriff Brody analitza nerviosament la platja, Spielberg ratifica la tensió amb arengades vermelles i una brillant edició (de Verna Fields). Fa que els nostres estómacs es refredin simplement tenint un canó fora de l'aigua. Fins i tot el llibre gory de Brody i el monòleg que enxovava els ossos de Quint ens permeten saber quines coses van a sortir si els nostres herois acaben a l’aigua.

Així doncs, quan finalment veiem el tauró en tota la seva glòria saltant de vaixell, els seus ulls de nina, l’etapa s’ha posat en escena, i el públic està preparat. Tot i que el monstre de vegades sembla una mica cautxú, hem vist què pot fer. Vam veure que la dona es va arrossegar cap a endavant i cap endavant, i vam veure que el noi Kintner estava tirat sota l'aigua per alguna força invisible. Gràcies a la configuració de Spielberg, creiem que aquest peix de 25 peus podia menjar-se a tothom a Amity, i tot i que Brody ho bufa al final, encara estem una mica nerviosos cada vegada que banyem.

Evil Dead II (1987)

Què qualifica de pel·lícula impecable? Ha de ser un drama seriós? O pot ser una comèdia de terror on un noi es baralla amb la seva pròpia mà? Tot i que alguns snobs poden mirar cap avall Evil Dead II, aquest clàssic de Sam Raimi aconsegueix perfectament el que es proposa fer: fer-te cridar i després fer riure.

La seqüela del clàssic del culte de 1981, Evil Dead II és una bona estona al cinema. Bruce Campbell, interpretant a l'assassinat heroi de coll blau Ash Williams, dóna un fantàstic rendiment físic. Les coses que fa en aquesta pel·lícula posa Campbell en la conversa amb Charlie Chaplin i Buster Keaton: es llança com una nina de drap mentre s’atansa, i mai no raja un somriure (excepte quan s’enfada). Es vaudeville per a l’època moderna.

Les criatures contra les quals es veu contra la qual es veuen molt estranyes, des del posat cap de cérvol fins a la inflorida Henrietta Knowby. Si bé els efectes del monstre poden semblar una mica datats, encara se senten tàctils i reals, i la seva presència física per si sola dóna sensació de diversió i perill. I mentre combat els Deadites, Ash es troba en una sèrie d’escenes memorables, des de la seva ruptura psicòtica i el guèiser de sang fins al moment badass on arriba la seva llegendària motoserra. De ritme ràpid, divertit i una mica estrany, Evil Dead II demostra com les pel·lícules de culte poden assolir aquest status clàssic.

No perdonat (1992)

No hi ha cap actor actual més associat a l'Occident que el propi Man with No Name, Clint Eastwood. Però, a diferència de John Wayne, el seu ícono occidental, les pel·lícules de Eastwood es referien a revisar el gènere i prendre antics tròpics en noves direccions. I a l'hora de desmantellar els mites del Vell Oest, no resulta més desconstructivista que Eastwood Sense perdonar.

La història segueix un pistoler retirat anomenat William Munny (Eastwood) que, gràcies a la seva dona ara morta, suposadament ha canviat la seva forma i s’ha establert en una vida de cria de nens i de conreus. Però, quan la seva granja comença a caure i una oportunitat per aconseguir diners en efectiu ràpid, Munny recull les pistoles per a la seva última volta. El vell temporitzador de tornar a la sella és un dispositiu clàssic de la trama de pel·lícules occidentals, però mentre Munny intenta recaptar la recompensa a dos cowboys renegats, la pel·lícula es dirigeix ​​a llocs increïblement foscos.

Segons Eastwood, Sense perdonar es tracta de la inutilitat de la violència, ja ho sabeu, el que volem veure al final de cada occidental. La mata Sense perdonar són desagradables i agonitzants. La gent crida de dolor i por. Els assassins marxen atordits, sempre traumatitzats tirant del gallet. La violència sempre és lletja, ja sigui per Munny o per la brutal xerife de la petita ciutat de Gene Hackman. Aquest advocat no és millor que els delinqüents que batega als carrers. Des de la seva obertura solitària fins al seu clímax fosc i plujós, Sense perdonar No té por de qüestionar els nostres herois populars ni de dirigir la seva visió a un gènere sencer (i, per a això, al país) construït a través de la vessament de sang.

Spider-Man 2 (2004)

Quan Spider-Man 2 va entrar als teatres, Roger Ebert la van declarar com la 'millor pel·lícula de superherois des que es va llançar el gènere modern Superman. ' Per descomptat, des del 2004 han sortit moltes pel·lícules de superherois, però l’afirmació d’Ebert encara es manté.

Pel·lícules del 2019

Dirigida per Sam Raimi, Spider-Man 2 No és només la millor pel·lícula de superherois que s’ha fet mai. També és una de les seqüeles més grans de tots els temps, fins aquí L’Imperi s’ataca i El Padrí Part II. Però a diferència d’aquelles pel·lícules tenebroses, Spider-Man 2 manté el to desenfadat de la primera pel·lícula mentre porta les apostes emocionals a un nou nivell.

La pel·lícula té algunes peces increïbles, de la secció Evil Deadescena de cirurgia inspirada a l'èpica batalla de tren de Spidey amb Doc Ock. Però on Spider-Man 2 realment brilla convertint Peter Parker (Tobey Maguire) en un heroi de veritat. Està lluitant per lluitar contra un científic boig mentre fent el possible per aconseguir una núvia i mantenir una feina. És un noi que arriba tard al teatre i troba consol en la coca de xocolata. Sent una autèntica felicitat durant el brillant muntatge de 'gotes de pluja' caiguda al meu cap ', seguit d'un lamentable desgraciat quan no salva algú per les seves responsabilitats.

En resum, Spider-Man 2 es tracta més que un heroi que lluita contra un dolent. Com Michael Curley a PopMatters posa-ho dins Spider-Man 2, el públic no acaba d'arrelar perquè Peter deixi el vilà o salvi el món; volen que estigui feliç, que trobi l'equilibri i que sigui un treball de superheroi per a ell. ' Va ser la primera pel·lícula de superherois que ens va donar un superheroi al qual ens podríem connectar realment, i va configurar la plantilla per a les pel·lícules de Marvel.

L'Assassinat de Jesse James pel covard Robert Ford (2007)

Dirigida per Andrew Dominik, L’assassinat de Jesse James del covard Robert Ford sura com un fantasma a través de la prada coberta de neu. És una pel·lícula èpica que porta el seu temps. No n’hi ha Manat salvatge-focs de pistola d’estil aquí: només una pel·lícula bellament rodada que explica la història de dos homes molt preocupats: una celebritat que pateix malalties mentals i un aficionat tòxic que vol matar allò que no pot tenir.

Tant Brad Pitt com James i Casey Affleck com Ford estan al capdavant dels seus jocs aquí. Pitt exerceix la llei com un home que pateix paranoia i depressió. Està enfonsat en la foscor i, en els seus moments lúcids, pensa en morir. Però després hi ha moments en què els ulls de Pitt es tornen salvatges i la bogeria comença a moure's, i estàs aterrat per inclús parpellejar. Són coses dignes d’ Oscarscar, rivalitzat per Affleck com un simfòntic gras, descarat, un porro insegur que vol desesperadament ser famós. Per descomptat, quan s'adona que no té el que es necessita per aconseguir que sigui gran, decideix fer la ruta de Mark David Chapman.

A més de la interpretació, la cinematografia de Roger Deakins és absolutament magnífica. En realitat va inventar diverses lents específicament per a la pel·lícula, donant-nos imatges que la crítica del cinema Scout Tafoya descriu com 'un lloc entre un tipus de pit i una pintura a l'oli'. La banda sonora de Nick Cave i Warren Ellis és inquietant, com és la narració de fet de Hugh Ross, que ens recorda que ens movem cap a quelcom terrible i predestinat. L’assassinat de Jesse James perdurarà durant els propers anys, de la mateixa manera que la llegenda de la llei.

Hot Fuzz (2007)

Escrit per Edgar Wright i Simon Pegg,Fuzz calent és una pel·lícula que millora cada vegada que la veus. Al cap i a la fi, té un dels guions de pantalla més ajustats que mai s'ha fet al paper. Si voleu obtenir més informació sobre l'art de configuracions i recompenses, heu de revisar Fuzz calent una vegada i una altra.

Algunes de les primeres bromes tornen al final de maneres inesperades. Per exemple, una línia divertida sobre les mares del granger que enviaven armes es paga de forma espectacular quan la mare d'un granger intenta explotar l'heroïgic Sgt. Angel (Pegg) amb escopeta. La rutina del 'feixista / neguitós' torna de bonic lloc al tiroteig final, i les referències contínues a aquesta Pausa puntualva muntar una hilarant però desconcertant escena amb Nick Frost i el seu estimat vell pare.

De fet, hi ha altres línies que preveuen algunes voltes molt importants. A la inauguració de la pel·lícula, el cap de la policia de Londres, Bill Nighy, explica al Sgt. Àngel que pot fer desaparèixer la gent perquè és l'inspector en cap. I quan Angel és traslladat a la ciutat adormida de Sanford, qui literalment fa desaparèixer maltractaments? Si, això és correcte. És l'inspector en cap interpretat per Jim Broadbent. I gairebé no rascem la superfície aquí: cada vegada que mireu la pel·lícula, trobareu alguna cosa nova.

Però, a més del guió, Fuzz calent fa un treball magistral de gèneres de malabars. Com a crític de cinema de YouTube Mikey Neumann assenyala que la pel·lícula envia quatre gèneres separats: comèdia, horror, misteri i acció. I no només està saturant el típic Michael Bay pel·lícula, però és una acció legítimament impressionant alhora. A més de tot això, es produeix un gran despert entre Pegg i Frost. Fuzz calent Edgar Wright i Simon Pegg disparen a tots els cilindres, i és difícil pensar en una comèdia que es pugui comparar amb la seva cruenta brillantor britànica.

There will be blood (2007)

Daniel Day-Lewis és un dels grans actors de sempre, però a la vegada actua Lincoln i El meu peu esquerre és sorprenent, sempre se'l pot recordar per renunciar i perversió amb batuts. És clar, Hi haurà sang és molt més que una memòria: es tracta d'una repressió desconcertant de la societat nord-americana, bellament rodada per Robert Elswit, i que podria ser la pel·lícula més gran de l'estimable filmografia del director Paul Thomas Anderson.

Anderson és l’home que hi ha darrere de pel·lícules Boogie Nights i Fil fantasma, però cap de les seves altres pel·lícules té un àmbit èpic i brutal Hi haurà sang, que capta un terreny erm estèric amb riqueses innombrables que s'executen sota les esquerdes. Allà per beure-ho tot hi ha Daniel Plainview (Day-Lewis), un poderós magnat del petroli amb odi a la majoria de tots els que coneix. És el capital americà de la seva identificació amb Amèrica, i l'únic que el manté en control és el descarat Rev. Eli Sunday (Paul Dano), el costat fosc de la Primera Esmena. A mesura que els dos lluiten per controlar el petroli, Plainview perd la seva humanitat mica en mica, fins que no queda res més que un vell enutjat amb un bol de bitlles.

En la seva majoria, Day-Lewis juga a Plainview amb una intensitat de creixement. Hi ha moltes coses darrere d’aquests ulls: càlculs i competència. Però quan esclata, és un incendi inigualable per qualsevol actuació de la memòria recent. Pel que fa a Anderson, està captant escena d'imatges de remat després d'increïbles escenes, com la seqüència d'obertura sense paraules i el derrick de petroli que es crema enmig de la nit, tot acompanyat per la puntuació alienígena de Jonny Greenwod. És difícil pensar en una altra pel·lícula nord-americana que capturi tan el costat fosc de l’avarícia d’Amèrica, i si voleu comparar Hi haurà sang a Ciutadà Kane, sens dubte no ens queixarem.

John Wick (2014)

Protagonitzada per Keanu Reeves en el paper titular, John Wick té lloc en un món d’ombres assassí, una societat secreta plena de monedes d’or i regles misterioses. Hi ha un hotel elegant, poblat per atrevits debonaires i assassins sexy, i com a crític de cinema Priscilla Page escriu, els visuals estan banyats amb la 'paleta de Mario Bavo, de Dario Argento'. Amb pràcticament tota la nit, la pel·lícula és rica amb vermells foscos, blaus i verds. És exactament el tipus de lloc on espereu que vegi un vestit que portava un vestit lluitant contra un grup de matons russos, i que lluiti amb ell amb la màxima facilitat.

Reeves no estava fent problemes quan va iniciar la sessió John Wick. L’actor s’entrenava cinc dies a la setmana, vuit hores al dia, durant quatre llargs mesos. Va aprendre a manejar les armes de foc, a utilitzar suports de jiu-jitsu i a conduir un cotxe com una estrella dels anys 70. Quan les baralles es posin en marxa, no hi ha cap edició intel·ligent per ocultar el doble de Reeves, ja que en realitat Keanu va batre tots aquells dolents. El gun-fu aquí és una visió a veure, i ja que la pel·lícula va ser dirigida per dos cascades (Chad Stahelski i David Leitch), no hauria de sorprendre que la coreografia sigui excel·lent.

Però escondre sota la superfície és una història d'un home de dol. John Wick és un vidu que el seu estimat gos va ser un regal de la seva difunta esposa, així que quan uns gàngsters de cap calent assassinen al seu cadell, es lleven més que la seva mascota (tot i que això és prou dolent): estan matant la seva ' l'oportunitat de plorar sense res. Tan John Wick és molt més que una pel·lícula sobre un home assassinat al màxim nombre de persones possible. Es tracta d’un home que mira d’afrontar-se i que desitgi expressar la seva tristesa i ràbia ... assassinant el màxim de gent possible.

Guardians of the Galaxy Vol. 2 (2017)

En només deu anys, l’Univers Cinemàtic Marvel va alterar completament el paisatge de Hollywood. Però, amb tantes entrades en una franquícia tan aclamada, quina és la millor? Aquesta és una decisió difícil, però si teniu un impacte emocional, heu de triar Guardians of the Galaxy Vol. 2. Dirigida per James Gunn, aquesta seqüela del 2017 segueix les aventures dels nostres herois ragtag en trobar un planeta viu amb un ego realment gran. Vol. 2 té alguns conjunts realment memorables, del 'Mr. Blue Sky 'obert a la gloriosa i violenta escapada de la presó' Come a Little Bit Closer '. Però realment, Vol. 2 es tracta més que fletxes màgiques i bateries harbulàries. (Disculpeu-nos ... bateries anulax.)

En el seu nucli fonamental, es tracta del drama familiar i el perdó. I, mentre la majoria de pel·lícules de MCU tracten temes similars, Guardians of the Galaxy Vol. 2aprofundeix en el que és com sobreviure als maltractaments. Gairebé tots els personatges de la pel·lícula han estat profundament escarmentats: Star-Lord està sent manipulada pel seu pare biològic; Rocket Raccoon va ser mutilada per científics; Gamora i Nebula van ser torturats per la seva Mad Titan d'un pare. Fins i tot Yondu, que era un podrit de Peter Quill, està embrujat pel seu propi passat fosc.

Cada personatge tracta el seu trauma a la seva manera, passant d’un a l’altre a allunyar els amics. Aquests personatges estan trencats, fent mal a la gent, cadascun dels quals va sobreviure a algun tipus. Però en definitiva, Vol. 2 és una pel·lícula sobre aquestes persones que van fer mal a les persones que comencen a seguir i maduren, fins i tot si es tracta d’increments minúsculs. Encara estan lluitant amb el dolor, però aprenen quan perdona i quan s’allunya d’una relació destructiva (o esclata-la amb pistoles làser), donant-nos una de les taquilles més complexes d’un gènere que sovint emfatitza l’acció sobre les emocions.

Mai no vau ser aquí (2018)

Mai no vau ser aquí és la pel·lícula antiacció més gran del món. Té tots els detalls del seu thriller típic: un veterà de guerra pertorbat aconsegueix un martell i pega un munt de dolents a la mort, però la història no és gaire coneguda. Es pot pensar en una altra pel·lícula d’acció on l’heroi dispara un vilà, però en lloc d’acabar-lo de forma desagradable, s’asseu a terra i canta junt amb la víctima fins que mor?

Sí, probablement no.

Dirigida per Lynne Ramsay, Mai no vau ser aquí segueix un noi anomenat Joe (Joaquin Phoenix), un atacant que rescata les nenes de traficants sexuals. Amb el temps, Joe s’ocupa de la feina equivocada i es troba involucrat en una autèntica conspiració, però el que és tan impressionant és la manera en què Ramsay i Phoenix subverteixen totes les expectatives establertes per tantes pel·lícules d’abans. Per exemple, en la majoria de les pel·lícules d’acció, l’heroi s’enfronta al vilà i l’envia al regne que vingui. Si bé no volem espatllar-ho, direm que Joe no té el seu gran moment catàrtic. La pel·lícula és un lloc més estrany i molt més inquietant, però finalment esperançadora.

Fènix està a un altre nivell aquí. Amagat darrere d’una barba despistada, és un home cansat que és bo per ferir a les persones, sobretot a ell mateix. Però, quan no s’ofega ni batega pervertit, té cura de la seva mare gran, rascant bromes amb ella i assegurant-se que la nevera sempre està proveïda. Joe gairebé no diu una paraula, però Phoenix ho ven tot amb un esmorteïment, una mirada i el flaix d’un martell de bola. Pel que fa a Ramsay, va despertar els crítics subvertint el gènere de terror Hem de parlar sobre Kevini ella és la mateixa adeptes del thriller d'acció. Només cal demostrar que quan obriu un gènere a nous realitzadors amb noves perspectives, acabareu amb una història que va a llocs que mai no espereu.