Les pel·lícules més estressants que encara voldreu veure

Per Patrick Phillips/9 de març de 2018 14:41 EDT/Actualitzat: 20 de març de 2020 17:39 EDT

Per a la majoria de la gent, anar al cinema és una forma segura d’alleujament de l’estrès, que està específicament pensat per distreure’ns de la crisi de la nostra pròpia vida durant almenys una hora o dues. Per descomptat, aquesta estratègia pot causar respostes de vegades, perquè algunes pel·lícules simplement no us permetran apagar el vostre cervell i sortir del món ni tan sols un minut.

pel·lícula oculta

No sempre és una cosa dolenta. De fet, algunes de les nostres pel·lícules preferides han tingut gust en la intenció de desafiar el nostre cor, la nostra ment i, de fet, la nostra estabilitat emocional. De vegades fan servir bèsties salvatges per posar-nos al peu; altres vegades, és un monstre del món real o un escenari inquietant que ens posa a la vora. De qualsevol forma, algunes pel·lícules només saben empènyer els nostres botons d’estrès de maneres emocionants, inesperades, i acabem estimant-los per això. Aquestes són les pel·lícules més estressants que encara voldreu veure.



Bug (2006)

Recordeu aquella època que William Friedkin va dirigir una de les pel·lícules més desapercebudes mai realitzades i a ningú semblava que li importava? Era el 2006, es deia la pel·lícula Errori és probable que mai n’heu sentit assabentats. És una pena, perquè no només ho és Error Una pel·lícula de terror psicològica penetrant, gairebé perfectament executada, presenta una de les millors actuacions de la carrera d'Ashley Judd i un desallotjament del gran Michael Shannon.

Tot i així, Error ha volat principalment amb el radar durant la dècada, més des del seu llançament, principalment perquè gairebé no és una bona relació. El gruix de la pel·lícula es troba dins d’una cambra d’hotel i segueix una dona malmesa que sembla estar a punt d’arribar a un nou moment després de trobar-se amb un amable veterinari de guerra. Per descomptat, aquell veterinari resulta ser un individu profundament desconcertat, i el que es desprèn és una aterradora baixada cap a un deliri compartit impulsat per paranoia i desesperació: és segur que augmentarà la pressió arterial un punt o dos o deu.

Friedkin manté l’acció més estreta, fent més intensament el procés mitjançant la il·luminació expressionista per augmentar els estats d’ànim, disparant les seves estrelles en primers plans invasius i desenfrenats i presentant un bon grapat d’escenes de terror corporal que farien que David Cronenberg s’enfosquís. Error és essencialment l’equivalent cinematogràfic de fer fumar un nervi brut durant un parell d’hores, però val la pena la pena, i encara voldreu veure-ho.



Set (1995)

Quan Set es va dirigir als cinemes a la tardor de 1995, el món simplement no estava preparat per a la seva moralitat grisa o per la història implacablement desoladora que acompanyava aquesta narració a cop de xoc i, certament, no estava disposat a considerar que aquesta narrativa era una mirall dels seus excessos morals i socials. No, el món no estava preparat Setel 1995, però maleït si encara no ens alineem en les tropes per donar un tomb a la simfonia de les penes de David Fincher.

Això és una mica sorprenent tenint en compte Set s’obre en una nota patentament acarnissada i només es posa més desolat, desesperat i sobretot estressant amb tots els moments impactants que se succeeixen. Tot i així,Setestà tan minuciosament construïda, obsessivament executada i actuada amb habilitat (la pel·lícula és un punt àlgid tant per a Brad Pitt com per a Morgan Freeman) que, fins i tot en el seu punt més horrible, és gairebé impossible no voler veure-ho tot desplegat.

Ja sigui per culpa de SetLa naturalesa obsessiva, perquè som tots els glutis per castigar, o perquè simplement volem anar a un restaurant i prendre una tassa de cafè amb Morgan Freeman, la fantasia fantàstica de la futilitat de Fincher segueix sent una de les pel·lícules més visitables mai realitzades. El que també vol dir que ens pot faltar el punt.



Jocs divertits (1997 o 2007)

Michael Haneke és un d'aquests cineastes que es complau en trobar noves maneres de fer que el públic empenyi el botó de pànic. Projecció la filmografia de Haneke és com fer un test d’estrès psicològic on reps un xoc elèctric com a recompensa i càstig per cada pel·lícula que heu vist. En poques paraules, estimar l'obra de Hanke és admetre obertament que t'has convertit en addicte al xoc, i aquest és el punt del cineasta.

Tot i així sentiu per Haneke, el director va induir indiscutiblement el seu talent per insistir-nos cap a la vora quan va portar ell Jocs divertits als teatres. La història retorçada de la pel·lícula de dos sociòpates violents i ben educats que prenen com a ostatge una família afluent i els torturen sense cap raó aparent és suficient per portar la suor al cap de qualsevol persona amb pols. Tot i així Jocs divertits Haneke es desplega, Haneke augmenta el nivell d’estrès, implicant freqüentment que l’audiència sigui còmplice de la violència perquè som els que volem veure-la.

Cada acusació es produeix gairebé com un atreviment per desactivar la pel·lícula. Tant si ho fa com si no, Haneke encara té el plaer de castigar els espectadors per assistir-hi a un segon. Tant, de fet, que quan Hollywood va començar a planificar un remake en anglès, el propi Haneke signat per dirigir, aparentment molest per pensar en prémer de nou aquests tendres botons. Per ser clar, Jocs divertits és tan brutal i imperdonable en anglès com ho va ser en alemany, i encara no estem segurs per què ens sentíem tan obligats a veure-ho en tots dos.

Mare! (2017)

Parlant de directors a qui els agrada apretar els nostres botons, fem una ronda d’aplaudiments pel Sr. Darren Aronofsky! Els que es consideren devots Els Aronofskyites han vingut a esperar que el cineasta visionari empenyés els límits de la narració, l’intel·lecte i molt sovint la moral. Tot i això, res dinsl’obra de rebliment del director hauria pogut preparar públics per al bombardeig del límit que estava oferint Aronofsky el 2017, mare!

Ambientada en una casa rural tranquil·la i apartada, la pel·lícula segueix un poeta en lluita (Javier Bardem) i la seva jove esposa (Jennifer Lawrence) mentre intenten escriure i remodelar. Que l’existència pacífica es molesta amb l’arribada de convidats inesperats i, un cop pertorbada, les coses se’n treuen de la mà més aviat.

Entengueu que per 'fora de mà', el que volem dir realment és 'completament desagradable de maneres que cap ésser humà racional no pugui entendre.' Com a mare! es propulsa per al seu final impactant, però inevitable, els moments que ens condueixen arriben amb un constant i febril repunt de l’anterior. Com a tal, mirar mare! és un tema decididament estressant. També és una drenatge emocional, i això pot haver estat els problemes de taquilla de la pel·lícula.

Tot i així, si esteu baixant per entrar-himare!No és tan humil la llar, només podríeu trobar-vos ansiosament connectant-vos a aquesta petita pel·lícula profunda i perspicaz gairebé malgrat el seu tema tòxic i taxatiu. Però pel bé del cel, si hi entres, no t'asseguis a la pica, perquè realment encara no està tancada.

Enterrat (2010)

Durant bona part de la seva primera carrera, el pensament de prendre seriosament a Ryan Reynolds com a actor semblava ridible. Fins i tot ha intentat seguir directament amb pel·lícules com L’Amor d’Amityville i Ases fumadors, era difícil oblidar el tipus de dolça impecable que va jugar en títols com Van Wilder. Tot això, és dir que les opinions de molts cineastes sobre Reynolds com a actor es van canviar per sempre després de veure el seu thriller micro-pressupost 2010 amb nervis Enterrat.

Què és tan especial? Enterrat, demanes? Per començar, la pel·lícula té lloc en un sol lloc i apareix a la pantalla un sol actor. La ubicació és un taüt enterrat en algun lloc del desert iraquià. Reynolds és l'únic actor, i sí, està enterrat a dins del taüt. Comença així l'acció que provoca el pànic Enterrat.

Tot i que pot provocar pànic una infravaloració. Si ets claustrofòbic, asseguda Enterrat És molt com sotmetre’s a un atac d’ansietat de 95 minuts. Si no teniu por d’espais tancats, Enterrat és encara m’agrada molt sotmetre’s a un atac d’ansietat de 95 minuts. Dit això, si us atreviu prou a suportar aquest terror claustrofòbic, sereu recompensats amb un thriller de primera fila amb algunes voltes intel·ligents, algun comentari sorprenentment interessant sobre l’estat de la “postguerra” de l’Iraq, i sí. , una impressionant actuació dramàtica de Ryan Reynolds, que no xerra ni tanca la tercera paret ni una sola vegada.

csi miami

127 hores (2010)

Sovint hi ha una línia fina entre la quantitat no suficient i la massa en el cinema. Tot i que la majoria de les pel·lícules d'aquesta llista s'erroritzen d'una altra manera de totes les millors maneres, poques van arribar fins a la frontera fins127 Hores. Basada en la increïble història real d’un muntanyista apassionat que va obligar a tallar-se el propi braç després d’haver quedat atrapat sota una roca, la pel·lícula és un estudiós desconcertant sobre la indiscutible voluntat de viure d’un home.

Sí, aquesta història és tan inspiradora com podríeu pensar, però també és força estressant (si no és absolutament horrorosa). Quan finalment arriba el moment d’esborrar aquesta extremitat atrapada, el director Danny Boyle no s’allunya de l’acte sagnant i salvant la vida, sinó que abraça el moment d’una manera que s’acosta a sentir-se explotador del drama de la vida real sense inclinar-se del tot. en explotació.

És el tipus d’escena que fa que vulgueu tancar els ulls i les orelles i enrotllar-vos en una bola fins que s’acabi. No és només estressant, és absolutament agònic, però, tot i que passa, et trobaràs amb ganes de veure l’acció grisosa ... perquè el gruix de la pel·lícula (amb una millor interpretació de la carrera de James Franco) és gastat per la seva vida. a l'home que hi ha darrere de la història. Com que realment ens preocupa la vida lligada a aquest braç, el moment es converteix més en una celebració de la vida que no pas en un estudi en gore, fins i tot si ens embruixa a la memòria durant mesos després de presenciar-la.

Sota la pell (2013)

De vegades és difícil assenyalar exactament el que es tracta d’una pel·lícula que t’estressa. En el cas de Jonathan Glazer Sota la pell, és molt més fàcil esbrinar, perquè la resposta és literalment tot. La fotografia, la música, la interpretació, el so i l’edició de la pel·lícula semblen dissenyats específicament amb l’únic objectiu de mantenir els espectadors a l’abast de tota la pel·lícula i això és exactament el que fan. El resultat és una pel·lícula desafiante i profundament inquietant que realment no veieu tant com experimenteu.

Sí, sovint és una experiència força estressant (l'escena de la platja a Sota la pellel punt de mig camí és tan castigat emocionalment que és gairebé físicament dolorós trobar-lo), però també és profundament atractiu. Sota la pell és tan meticulosa en el seu artifici estructural, els canvis tonals i l’ambició narrativa que la pel·lícula hipnotitza pràcticament els espectadors a entrar en la seva foscor obliqua ja que examina temes complexos d’identitat, de moralitat extraterrestre i del que significa ser humà.

El centre d'aquesta exploració està el més estrany (i possiblement el més fort) rendiment de la carrera de Scarlett Johansson. Com menys s'ha dit d'aquesta actuació, millor. Només ho sabeu, com Sota la pell en si mateix, funciona millor si sap el mínim possible entrar. Sabeu també que si us sentiu estressats mentre experimenteu Sota La pell, només vol dir que funciona.

Enemic (2013)

Sota la pell no va ser l'única pel·lícula del 2013 obsessionada amb preguntes sobre la identitat i la condició humana. Thriller de Denis Villeneuve, doppelgänger Enemic realment es trepitja en aigües semblants existencialment profundes aquell any, només Villeneuve va adoptar un enfocament més personal del drama. Adaptat a una novel·la experimental del novel·lista portuguès José Saramago, Enemic segueix els treballs d'un home mitjà la vida de la qual es troba en un flux quan veu el seu exacte doble en una pel·lícula.

Si aquesta configuració sona una mica estranya, bé, heu de saber que Saramago només s’escalfa. El que es desprèn és un estudi fort i intens, observat amb molta cura de la identitat i l’aïllament modern. Una que troba a Jake Gyllenhaal en la seva forma més alta interpretant papers dobles, i Denis Villeneuve comença a burlar-se de l’atreviment narratiu que s’ha convertit en la seva marca comercial durant els anys posteriors.

Quant a EnemicLa narració es presenta, les aranyes es mostren de manera destacada, cosa que significa que hi ha una gran quantitat de molèsties aràcnides implicades en la seva observació. La pel·lícula també està plena de webs metafòriques que, en lloc de tractar de desenterrar, Villeneuve busca reforçar i atraure els espectadors a un centre mortífer enganxós. Aquesta tàctica continua sent certa fins al moment final que va provocar el pànic de la pel·lícula. Com a tal, Enemic és una d’aquestes pel·lícules rares que és prou estressant només per veure, i més encara després que els crèdits s’hagin rodat i estigueu enganxats intentant esbrinar què diables acaba de passar.

El Descens (2005)

Aquests dies, cada cop és més difícil fer una gran pel·lícula de terror que faci por a la gent. Què fa de Neil Marshall El descens tan especial és que no és només una gran pel·lícula de terror: en realitat són tres, i tots us espantaran els inferns. La pel·lícula s’estrena com un drama psicològic esfereïdor i es transforma en un malson claustrofòbic per espeleologia abans de convertir-se en un llargmetratge de criatura plens de sang i tripes.

Pot semblar que hi hagi una mica massa a la pel·lícula i a la majoria de pel·lícules, que probablement siguin certes. No és així El descens, però. A mesura que es desenvolupa el relat de sis amics que busquen emocions en una expedició d'espeleologia condenada, el director mai no troba el moment adequat per afrontar les apostes i canviar la narració. Ho fa amb tanta habilitat que aquelles narracions tan diferents desapareixen perfectament en una narració implacablement brutal que sacseja el sistema mentre li fa trontollar el cor.

Aquells de vosaltres que temeu espais tancats i tancats, perillosos embolicos emocionals, i també, criatures assedegades de sang, habitants de les coves, trobaran El descens per ser la mateixa definició d’estrès. Tanmateix, si podeu manejar el vostre compte en els profunds i foscos recessos tant de la Terra com del cor humà, és probable que trobeu un paradís de pel·lícules de terror a El descenspurgatori negre.

Krisha (2016)

Si El descens se sent com si estigués treballant amb la trilogia sagrada de narracions de pel·lícules de terror, Trey Edward Shults va oferir una trilogia igualment desapercebuda per al seu thriller psicològic auster, Krisha. Situat a la acollidora casa suburbana d’una família singularment fracturada, la pel·lícula de Shults té una molèstia familiar complexa, afegeix una mica de pugna per a vacances i esquitxarà aquesta barreja amb grans dosis de drama d’addicció per elaborar un perfecte i perfecte color negre. soufflé cinematogràfic que tenia algunes crítiques que ho declaraven com a 'atac de pànic cinematogràfic'després de l'alliberament.

El centre fos d’aquest soufflé estressant es troba un show-stop de Krisha Fairchild, que retrata el personatge titular amb una fragilitat a parts iguals i una amenaça directa. Com a Krisha s’obre, la seva història té l’aspecte d’un conte redemptiu de recuperació i perdó, però a mesura que avança el Dia d’acció de gràcies de la família, queda clar que algunes ferides són lentes a curar. El dia es dissol ràpidament en una desfilada de mirades càustiques i de paraules mossegadores, i, com passa, l’ansietat s’arrossega sense parar fins a un lloc de febre en ebullició en pot que encara d’alguna manera voldreu veure.

Quan finalment acabi bullint, diguem-ne que la seva vida no serà mai la mateixa. La vostra potser tampoc. Krisha no només es proporciona l'etiqueta 'atac de pànic cinemàtic', sinó que indueix el tipus d'ansietat que és probable que et deixi brollar per l'aire un cop passin els crèdits. De bona manera.

La massacre de motoserra de Texas (1974)

De vegades, una pel·lícula pot resultar estressant no tant pel seu contingut, sinó per la forma en què es presenta. La motoserra de Texas Massacre és indubtablement inquietant estrictament basat en el seu contingut: la pel·lícula tracta d'una família de caníbals que porten cara de pell que atrapen, torturen i intenten assassinar / menjar un grup d'adolescents insospitosos, al cap i a la fi, i és un negoci cruent i brutal. , per estar segurs. Un que fins i tot hauria deixat passar els fanàtics de terror a la vora dels seus seients. També sembla que es basa molt en una història real.

Aquesta última informació és la que deixa a tanta gent quan s’asseu a veure la màquina obra macabra de Tobe Hooper, però és la manera en què Hooper presenta la carnisseria que és estressant per a la majoria dels espectadors. Rodat en film gritty de 16 mm i comptat amb actors no professionals, sobretot, l'acció grisenca La massacre de motoserra de Texas sovint se sent més com un documental que com una obra grotesca de ficció de terror.

Aquella sensació hiperrealista tenia efecte galvanitzant sobre els públics quan la pel·lícula de Hooper va arribar als cinemes el 1974 i continua tenint aquest efecte en el públic de l'època moderna, encara volem veure aquesta obra polaritzant, amb molts reconeixements. La massacre de motoserra de Texas comla pel·lícula de terror més gran realitzada mai.

pel·lícula enola holmes

Gravity (2013)

Què queda a dir sobre el d’Alfonso Cuarón Guanyador de l’scar puny blanc que no s'ha dit mai? L'estressant thriller espacial de Cuarón bufa tot a l'infern en els seus primers cinc minuts i, d'alguna manera, aconsegueix mantenir la intensitat de pànic al llarg dels 85 següents.

Com l’astronauta atrapat en el caos (Sandra Bullock en un torn nominat a l’Oscar) l’energia pura i propulsora que impulsa La gravetat deixa malament un segon per pensar, o fins i tot per respirar. Més aviat, La gravetat és una pel·lícula a la qual et veus obligat a reaccionar a nivell visceral. I reaccionaràs a nivell visceral, perquè Cuarón utilitza totes les eines del seu arsenal cinematogràfic (so, espai, música, efectes, edició, etc.) per atraure't i fer-te sentir com si estiguessis atrapat al mig de la acció.

El punt fort de la pel·lícula és que també hi reaccioneu a nivell emocional. Crideu un guió molt fort d'afaitar de Cuarón i el seu germà Jonás que introdueixen prou detalls a l'astronauta de Bullock per fer-nos importar si troba o no el seu camí a casa i una actuació igual de punyent de Bullock per tal de perfilar les vores inacabades del personatge per fer-la sentir. autèntic. Aquesta barreja va ajudar a fer-ho La gravetat una de les pel·lícules que mai hauria esgotat emocionalment i que gratifica emocionalment.