Les pel·lícules més inquietants de l’última dècada

Per Patrick Phillips/26 de novembre de 2019 a les 11: 44h EDT

Quan es publiquin els llibres d’història, és una aposta força segura que els anys 2010 caiguin com un dels períodes fantàstics del cinema. Això continua sent cert mentre continuem debatent la definició real de la paraula. Però fins i tot la dècada dels anys 2010 ha estat per a pel·lícules, ho han estat particularment És adequat per a pel·lícules dissenyades per incomodar els espectadors.

Anomeneu-los pel·lícules de terror, o thrillers, o drames psicològics amb personatges socio-sexuals: les pel·lícules que han portat la bogeria i la amenaça durant la darrera dècada ho han fet amb una visió i artística indiscutiblement inigualables. Com a tal, gairebé no sembla just intentar reunir una llista única de les millors i més desagradables dècades, però això és el que hem fet aquí. Des d’uns salvatges poc convencionals de ciència-ficció fins a històries retorçades de possessió demoníaca, tenim una mica per desenterrar fins i tot els més salvatges de les cineastes adorates amb xoc. Aquestes són les pel·lícules més inquietants de la darrera dècada.



Sota la pell (2014)

Si heu entrat en el forat de conill esmicolador que és l’obra de vídeo musical de Jonathan Glazer, ja sabeu que el director té un pensament especial per empènyer els límits amb imatges inquietants i tons ominosos. Es podria fins i tot dir que Glazer es mostra desconsolat pel fet que pocs directors s’atreveixen. És tan natural, doncs, que continués teixint imatges desafiantes i temes pertorbadors als seus llargmetratges.

Pocs podrien argumentar que Glazer no havia provat ja certes fronteres greus amb el drama del crim crisi del 2000 Bestia sexy i el misteri psicosexual del 2004 NaixementPerò cap d'aquestes pel·lícules no podria començar a preparar-nos fins a quin punt Glazer impulsaria les coses amb els anys 2013 Sota la pell.

És un assalt complet als sentits des dels seus moments inicials fins als seus últims. Compta amb una actuació reveladora Scarlett Johansson això és tan lluny del MCU com podeu aconseguir. I és que hi ha una escena a mig camí d’aquesta pel·lícula, que tan desapercebuda, que lluitarà per no desactivar-la. Seguiu vigilant, però, perquè encara que sigui Sota la pell sovint se sent com una pel·lícula que sobreviu més que veure, creuar la línia d’arribada d’aquesta odissea extraterrestre també és una de les experiències cinematogràfiques més gratificants que mai esperaràs suportar.



Enter the Void (2010)

El cineasta argentí Gaspar Noé ha guanyat una gran reputació al llarg dels anys. Més que qualsevol altre director amb una pel·lícula en aquesta llista, Noé ha fet que la seva cerca personal de xocar i provocar. Va despertar la ment i va obligar els espectadors al límit amb la hiperviolenta i castigada emocionalment de la narració inversa del 2002 irreversible, però sembla que tingués en compte un tipus de viatge diferent al cap per a la seva tercera oferta, el 2009, al·lucinant pseudo-vida després de la vida Entrar en el buit.

Noé obre l'acció amb un expatriat francès que tracta de drogues amb un atractiu per al·lucinògens salvatges que es troba al seu final en un bar de Tòquio. En morir, la seva ànima es va alliberar del seu cos i dels meandres a través de la pel·lícula amb un objectiu desconegut en ment. Noé capta aquest moment de vida post-vida de l’ànima en mode POV integrat, la seva càmera flotant dins i fora de moments, records i molècules com un espectre omnipotent. I sí, aquest enfocament estilístic és tan impressionant, brillant i immersiu, com desconcertant, amb Noé que porta la càmera i els personatges que mai no hauria estat. El resultat és una pel·lícula tan estranya i calmant que provoca el pensament que és vívidament adversària, per no dir tan originalitat com qualsevol pel·lícula produïda en la passada dècada.

The Babadook (2014)

Quan el director d’una de les pel·lícules de terror més grans de la història cinematogràfica afirma que la seva pel·lícula és la pel·lícula més espantosa que han vist mai, saps que has fet alguna cosa especial. Així va ser que quan el llegendari William Friedkin, l'home que hi havia al darrereL'Exorcista - Va començar a dir a la gent que Jennifer Kent va tenir lloc el 2014 Els Babadook'us espantarà el diable', bé, els amants del gènere del món van prendre immediatament compte.



Friedkin no estava mentint. Posseïa un sentit singular d’estrany, Els Babadook narra la història d’una mare soltera que lluita per criar un fill amb alguns problemes emocionals greus. Per descomptat, atès que el marit de la dona va morir en ruta cap al naixement del nen, està clar que tant la mare com el fill tenen alguns problemes profundament arrelats per treballar, qüestions que compliquen la seva vida encara més quan es crida un terrorífic llibre infantil. Mister Babadook apareix a casa seva.

A mesura que Kent comença a desfer-se de la seva brutal cruesa, una narració sorprenent comença a prendre forma: una que explora atentament temes emocionals pesats sobre un trauma que sobreviu i les lluites de ser monoparental amb un cas de depressió indiscutiblement indiscutible. Com succeeix, Els Babadook és també una pel·lícula de monstres de primer ordre amb una por més genuïna que la vostra tarifa mitjana de gènere. Sí, Els Babadook 'us espantarà l'infern', però també us deixarà el cor a la gola.

Hereditari (2018)

Segons l’escriptor-director Ari Aster, el seu brutal xocant del 2018 Hereditari realment és només un petit drama familiar en el seu nucli. Però és així com trucar Mandíbules una encantadora història de peixos fora de l’aigua. Sí, mentre que realment no podem discutir-ho Hereditari no és un drama familiar, també volem tenir clar això Hereditari no és només un drama familiar.

Tot i així, fidel a la declaració d'Aster, Hereditari inicialment es presenta com un tipus de dramatisme atípic sobre una família en pena. A mesura que la pel·lícula es va desenvolupant, un passat profund i fosc comença a sortir a la superfície i Hereditari espirals de forma sensible en un malson sobrenatural que empeny un pols simplement cal veure per creure. Aviseu-vos que mai no podreu fer la vista Hereditari.

En cas que no ho hagueu experimentat per a vosaltres mateixos, simplement direu que sabreu el moment exacte en què Aster fa volar el proverbial canvi del drama familiar a la tragèdia familiar de ple ritme. Sabràs perquè el moment en què passa és fàcilment un dels més impactants de la història del cinema. Aster acaba d’escalfar-se en aquell moment, iHereditari està a punt de fer-se més fosc i més pesat de maneres que simplement no es pot entendre. És un assumpte brutal i esgotador, però si aconsegueixes mantenir-hi Hereditari, fareu testimoni no només d’una de les grans pel·lícules de terror de la dècada, sinó de tots els temps.

Estiu (2019)

Amb Ari Aster's Hereditari immediatament alçant el llistó dels cineastes de gènere per a joves i grans, semblava poc probable que algú acabés al capdavant de la pel·lícula en termes de valor de xoc antiguitat i rodat per al futur previsible. Sembla que l'única persona capaç d'apropar-se era el mateix Aster. Mentre Estiu potser no coincideixen del tot Hereditari en termes de xocs i esglai, pot ser que sigui la millor pel·lícula en termes d’impacte emocional esmicolador i d’energia sense pietat.

És clar, sentir Aster dir-ho, Estiu és una pel·lícula de ruptura relativament senzilla. Creieu-nos quan diem això Estiu és una 'pel·lícula de ruptura' de la mateixa manera que Hereditari és un 'drama familiar'. Cosa que significa que realment no es tracta d’una pel·lícula de separació.

La relació en qüestió pertany a Dani (Florence Pugh) i Christian (Jack Reynor), i si mai hi ha hagut una parella que necessita una ruptura, són ells. Però res és tan fàcil en els mons d'Ari Aster, ni en els moments de tortura d'obertura Estiu, el director vol sortir dels cargols de la relació condenada de la parella de maneres cada cop més retorçades. En el moment en què la parella i els seus companys arribin al festival suec titular, els destins estan tancats efectivament, tot i que res no pot preparar-se de forma remota per a l'atac, que el magatzem humit d'Aster té a la resta del film.

Melancolia (2011)

Com molts dels cineastes amb temibles terroristes d’aquesta llista, Lars von Trier s’ha desenvolupat una mica en reputació per fer pel·lícules descaradament confrontades que solen ser força difícils de veure. Amb els anys, von Trier i les seves pel·lícules han estat etiquetades per moltes coses per fan i detractors. Tant si estima com odia el seu enfocament combatiu (tot i que sovint refrescant audaç i sorprenentment bell) al cinema, el segell més pot estar d’acord que les parets de les pel·lícules de Lars von Trier estan típicament paperades amb una capa càustica de nihilisme. El seu drama de ciència-ficció del 2011 Melancolia troba el director en el seu estil més nihilista i també en la seva alçada estilística.

La pel·lícula segueix un parell de germanes (el millor treball de la carrera de Kirsten Dunst i Charlotte Gainsbourg), cadascuna que lluita per mantenir la vida junts, tot i que la humanitat recentment s’ha fet conscient que un gran planeta blau està en un camí de col·lisió amb la Terra i la el món aviat deixarà d’existir. Separat en capítols, Melancolia s’obre amb una de les noces més tristes que s’ha compromès mai amb el cinema. Acaba amb la Terra literalment sent oblit. Els moments que hi ha entremig ofereixen visites de moments feliços dissenyats de felicitat abans de la mort, i també exploracions de la vida de les germanes un cop aprenen el final. En algun lloc de la barreja, von Trier ofereix una fotografia enormement fotografiada si esborra emocionalment un drama apocalíptic tan difícil de mirar com de mirar de lluny.

Sinistre (2012)

Abans d'abandonar el 2016 Doctor estranyScott Derrickson va passar la dècada abans de fer-se un nom per a ell mateix entre els aficionats al gènere. Ens va cridar l’atenció el drama sobre possessió del 2005 L’exorcisme d’Emily Rose, però eren els anys 2012 Sinistre que va resultar Derrickson un purista de terror del primer ordre. Tot i que hi va dormir massa Sinistre després del llançament, encara és un dels thrillers més veritablement eficaços que mai podreu veure, fins i tot si s'admet una mica massa vegades als clàssics tropes de terror.

La pel·lícula segueix la història d'un autor del crim autèntic (el sempre gran Ethan Hawke) que trasllada la seva família a una casa on ha tingut lloc un delicte delicte per poder investigar els esdeveniments tan propers com personals. Malauradament, quan troba una antiga caixa de pel·lícules de tabac de Super 8 a les seves golfes, l’home i la seva família s’acosten una mica més a la veritat del que ningú hauria volgut.

Aviseu-vos que és probable que aquestes pel·lícules de 8mm us costin algunes nits de son. Però només són una petita part del que fa Sinistre una delícia tan negre. La pel·lícula es troba en el seu millor moment quan es rebaixa en tons ominosos i imatges gòtiques gretes, i Derrickson s’aprofita al màxim SinistreL’aura amenaçadora, fent-se un plaer pervers en l’enfocament de la crema lenta de la pel·lícula i traient la catifa manchada de sang dels espectadors en un final que us farà passar una ullada a través de les vostres palmeres sudoroses, per por i expectació.

Raw (2016)

Sovint pot ser força difícil desxifrar exactament què es tracta d’una pel·lícula que es posa a la pell. En el cas de la sorprenent primera obra de Julia Ducournau Raw, és una mica més fàcil esbrinar, perquè Ducournau gasta essencialment la totalitat del temps d’execució de 100 minuts de la pel·lícula desembocant en un diluït gairebé constant de sons, imatges i escenaris que podrien engegar-los.

No vol dir Raw és una gorefesta de xoc per al cap de xoc. Tot el contrari, de fet, ja que Ducournau adopta una aproximació decididament decidida a la seva pel·lícula, fent fora de les sacs mentre venen amb tranquil·litat mentre presenten amb tranquil·litat un drama universitari viciós i sense apologia que legítimament gira el gènere al cap.

Hauríem de dir-vos per davant que la pel·lícula segueix els assajos d’un jove universitari que de manera inesperada es troba amb una gana insaciable per la carn humana. Així, encara queRawNo és el líquid sanguini exclusiu que podríeu esperar d’una configuració d’aquest tipus, bona part de l’acció probablement converteixi l’estómac al cap. Però, en lloc de revelar-se amb els efectes fascinants i els espantos espantos, Ducourneau fa un enfocament humanista RawLa història impactant, que només utilitza el propòsit de reforçar un enginyós i perspicàntic estudi de personatges que es converteix - en contra de totes les probabilitats - en un drama (si és freqüent desconcertant) de la majoria d'edat sobre el canibalisme.

Color amunt (2012)

Hi ha cineastes que es basen en els esglairats i la sang falsa per posar-se sota la pell d’una audiència, i els que creuen imatges austeres, detonants nefestos i la il·lusió del sinistre són igual d’efectius. Shane Carruth és d'aquest darrer col·legi, i Color amunt més que ho demostra.

Ara, no anem a molestar-vos intentant explicar què Color amunt es tracta només, perquè només es podrien escriure treballs de tesi sobre aquest tema especialment relliscós. Si estem completament sincers, ho oferiríem Color amunt és una pel·lícula menys preocupada pel que es tracta del que pot fer-te sentir - Aparentment no hi ha cap finalitat del que Carruth pot aconseguir en aquest front.

Fins a aquest punt, simplement direm que la pel·lícula segueix a una dona (la brillant Amy Seimetz) que, després d'haver estat hipnotitzada parasitàriament per un lladre i de tenir tota la vida saquejada, es queda amb un futur arruïnat i cap record del que va passar. Coneix a un home (interpretat per Carruth) amb una història similar, i mentre intenten inútilment combatre les seves misèries individuals, topen amb una veritat més enllà de la imaginació. El que segueix no és res d’un atac cinematogràfic profundament paranoic als sentits que simplement s’ha de fer creure. Només ho sabeu Color amunt és una experiència decididament desagradable que us farà rascar el cap durant dies, mesos, fins i tot anys després de la publicació de crèdits.

Hagazussa (2019)

Situat en una regió aïllada i muntanyosa d'Europa cap al segle XV, el malson gòtic de Lukas FeigelfeldHagazussa es propulsa cap endavant en un clip sub-glacial que, sens dubte, semblava orientat a imitar el ritme de vida d'una regió d'aquest tipus. Mentre que la pel·lícula aconsegueix assolir el ritme lent de la vida als turons, Feigelfeld també utilitza aquest ritme per llançar un encanteri hipnòtic als espectadors.

Això no es trencarà fins que els últims moments estomacin de la pel·lícula. Feigelfeld va dirigir-se a un final més brutal, Feigelfeld descobreix un relat popular negre sobre una dona soltera amb un passat pagà intentant sobreviure al desert i criar la seva filla en una pau relativa. Per descomptat, quan els vostres veïns viuen en constant por a les màgiques i als esperits i a la bruixeria, el món natural està lluny del vostre enemic més perillós.

Alimentat per una sensació implacablement paranoica de calma i prou imatges gòtiques per espantar a Mary Shelley, Hagazussa es demostra per si sol una llesca singular del cinema de gènere. Tot i que és cert per provar la paciència dels que busquen fer-se caure amb sang, amb feres espel·lides, Feigelfeld derroca el martell amb una força visceral a HagazussaEl darrer acte en què la pel·lícula va assaltar la ment dels espectadors que arriben al final durant els propers anys.

Thbbreds (2018)

Si la història ens ha ensenyat alguna cosa, és que Hollywood li encanta una bona història de joves rebels i intel·ligents que solen funcionar amb amok. Mentre que els clàssics agraden Rebel·leu sense causa, Una Taronja de Rellotge, i Salts de primavera han mantingut el llistó perquè aquesta tarifa s'hagi elevat perpètuament al llarg dels anys, Corey Finley's Cor pura sang demostra que encara hi ha lloc per créixer un dels subgèneres preferits del cinema, encara que estigui clarament destinat a enfosquir en aquests dies.

Al centre de la dramatúrgia negre de Finley hi ha un parell d’adolescents de Connecticut que han existit en extrems oposats de l’espectre emocional. Lily (Anya Taylor-Joy) ho sent tot amb força, mentre que Amanda (Olivia Cooke) és incapaç de sentir res. Quan els amics estranys es reuneixen en la narració de Finley, troben que cada vegada estan perdent el control de la seva vida i estan equipats per ajudar-se mútuament.

Aquesta ajuda costa, ja que un cop disparat a les nenes a l'alliberament implica un pla profundament violent. Mentre propulsa Cor pura sang'La narrativa cap endavant, gairebé no és el punt central de la pel·lícula, Finley l'utilitza en lloc de fer un estudi penetrant de personatges sobre un parell de ments joves brillants però tràgicament fracturades.

Els ulls de la meva mare (2016)

Les pel·lícules de terror estan dissenyades fonamentalment per atraure el públic als racons foscos del món i mostrar-los les coses indesitjables que solen passar-hi. De vegades, aquest racó fosc és un lloc físic (vegeu La massacre de la serra a cadena de Texas). Altres vegades és un lloc en la ment (vegeu La cel · la). El seu debut estupend de Nicholas Pesce Els Ulls de Ma Mare és el rar cas en què la ment i el lloc convergeixen per explorar un dels racons més foscos mai capturats al cinema.

Els Ulls de Ma Mare no comença així De fet, els moments d’estrena de la pel·lícula són sorprenentment seriosos, amb una noia i la seva família vivint en pau relativa en una granja aïllada. Però Pesce porta un trineu a aquesta vida idíl·lica al començament de l'acció. Quan ho fa, Els Ulls de Ma Mare es va enfosquint de maneres que les paraules simplement no poden transmetre, de manera que la pel·lícula es quedi cremada al cervell durant tota l’eternitat.

Vam haver apostat per haver escoltat xiuxiuejades de les vívides representacions de la violència, la tortura i el malestar de la pel·lícula. Tot i que la pel·lícula (rodada en blanc i negre impressionant) no està marcada en la seva representació d'aquests actes, les gestions més espantoses solen aparèixer a la pantalla, tot i que això només augmenta les reaccions dels espectadors. Pesce aprofundeix encara més en la foscor mitjançant la fràgil i emocional bellesa de l'estrella Kika Magalhães contra els espectadors al servei de girar Els Ulls de Ma Mare en un estudi de personatges penetrants sobre el trauma i la solitud que consumeix ànima.

The Blackcoat's Daughter (2015)

És la principal culpable del treball a Oz Perkins, fill de PsicoAnthony) pel·lícula de possessió implacable La filla del Blackcoat. Dit això, a la pel·lícula hi ha una misteriosa força malvada que corre o no pot reivindicar l'ànima deLa filla del Blackcoat personatge central i la va obligar a realitzar actes de violència inconscient.

Els dimonis i les possessions a part, la solitud i l'aïllament són realment els motors de joc La filla del Blackcoat. La pel·lícula es desplega en gran mesura a les instal·lacions d'una escola catòlica per a totes les nenes en algun lloc de l'extrem nord. Quan dues de les noies (Kiernan Shipka i Lucy Boynton) estan encallades allà durant la pausa d’hivern (una creient certa calamitat ha arribat als seus pares i l’altra davant una difícil elecció pròpia), les coses es fan estranyes molt ràpidament amb la jove que sembla ser. posseït per certa presència demoníaca no vista.

Mentrestant, una narració paral·lela troba una parella penosa que agafa a una jove desesperada (Emma Roberts) a la parada d'autobús, sense saber que és una pacient mental escapçada. Aquestes narracions acabaran convergint de manera malintencionada i amb un efecte desgarrador. Perkins controla l'acció a cada pas del camí amb una mà constant i una visió singular, construint un sentit asfixiant del temor atmosfèric a tots els fotogrames de la pel·lícula. En fer-ho, ofereix una tragèdia sobrenatural profundament humanista i una de les pel·lícules de possessió més fosques que hem vist mai.

mare! (2017)

Hi ha un augment general de l’anterior que s’inclou en el marc narratiu de la majoria de les pel·lícules de terror, perquè aquestes pel·lícules necessiten que l’acció sigui més sagnant i brutal simplement per augmentar les apostes dels personatges atrapats. Darren Aronofskyés mare! és un film de terror tan completament consumit pel concepte de superar l’anterior que gairebé s’esfondra en ell mateix al servei de la seva temeraria ambició narrativa.

Tot i que hi ha una sensació palpable de inquietud a través de la pel·lícula i moments clarament horrorosos, és probable que sigui una mica injust mare! un film de terror. Si estem completament sincers, maltre! no encaixa perfectament amb cap gènere, perquè mai no hi ha hagut una pel·lícula com abans, i encara no estem segurs de com va fer Aronofsky un espectacle tan fantàsticament descarat.

Tanmateix, estem contents que ho hagi fet, perquè el relat frenètic d'Adonofsky sobre l'existència idíl·lica d'una parella que va ser enderrocada per incurrències cada cop més estranyes del món exterior és aproximadament un divertit gonzo que pot tenir en una pel·lícula que indueix el pànic. Tot i que amb els anys hem esperat un cert nivell de premsa dels botons d'Aronofsky, mare! troba el director empenyent les fronteres més que mai. En fer-ho, va elaborar una al·legòria alegòria cinematogràfica a diferència de qualsevol pel·lícula que hagi vingut abans ... i probablement qualsevol cosa que passi després.

Nightcrawler (2014)

De vegades no és tant la història que explica una pel·lícula que deixa molt més fàcil que els personatges que la poblen. Si ja heu vist la sàtira del cicle de notícies de Dan Gilroy Nightcrawler, sabeu bé que Lou Bloom és un d’aquests personatges. També sabeu que el motiu pel qual el personatge (i la pel·lícula en si) és tan inquietant és per causa d’una energia abrasivament abrasiva Jake Gyllenhaal porta al paper.

Tot i que el treball de Gyllenhaal en Nightcrawler va ser ignorada per l'Acadèmia, el seu torn com el moralment buit Lou Bloom no és només una de les millors actuacions d'aquest any, sinó de la seva lloada carrera. Nightcrawler pot ser que sigui la millor pel·lícula en què hagi protagonitzat l'actor, tot i que és sens dubte la més intrínsecament inquietant.

A la superfície, Nightcrawler és una afirmació relativament senzilla del mantra que “sagna, condueix” que ha tendit a dominar el cicle mediàtic dels darrers anys. La pel·lícula es desplega entre el seriós aspecte interior de Los Angeles i troba el Bloom de Gyllenhaal intentant fer-se un nom per ell mateix en el món del periodisme independent de delictes. En el camí cap a la seva meteòrica pujada a la infàmia, Bloom comença perversament a eradicar la línia entre testimoni ocular a la tragèdia i participant voluntari. Potenciat per l'escriptura cruixent i la direcció de Gilroy, l'obra intrínsecament sense ànima de Gyllenhaal a mesura que Bloom es transforma Nightcrawler des de la sàtira fins a un espectacle complet sobre un vampir modern amb un gust més preocupant per la sang a la càmera.

El dimoni neó (2016)

Abans de començar la producció a El dimoni neó, el seu desè llargmetratge, el cineasta danès Nicolas Winding Refn ja s'havia establert com a elegant provocador cinematogràfic a nivell amb els altres agitadors Lars von Trier i Gaspar Noé. Amb flick audaç estilitzat com Impulsor, Conduir, i Només perdona Déu, també s'havia distingit entre els seus germans com a cineasta obsessionat completament amb drames de polpa sèpia, vestits amb visibles visions desbordades de neó. Tot i que continua sent una pel·lícula divisòria fins i tot entre els fanàtics de Refn, El dimoni neó és essencialment la culminació de tot el que fa de Refn una força artística tan intrigant.

Estranyament, El dimoni neó també presenta una de les escenes menys convincents de Refn: una jove que es trasllada a L.A. amb l'esperança de convertir-se en model. La maldat que Refn es basa en aquesta configuració simplista no és res del geni del gènere, amb la ciutat i tot el sexe i la obsessió de la bellesa que la dirigeixen, literalment, a la vitalitat juvenil de la dona impetuosa, fins i tot quan es mostren poètics sobre el que realment és la bellesa. Detingut visualment, amuralment fantasiós i sovint desmesuratment realista, El dimoni neó Bàsicament és tot el que Nicolas Winding Refn fa fins als 11 anys, i l'estima o l'odia, la pel·lícula segueix sent un dels retrats més profunds de la cultura costurera que han presentat les pel·lícules.

sofia hublitz

Cal que parlem de Kevin (2011)

Estructurada com una mirada gairebé calidoscòpica a les tragèdies passades i presents, la de Lynne Ramsay Hem de parlar sobre Kevin és una pel·lícula menys preocupada per la mecànica i les motivacions del fatídic acte en el seu nucli –un assassinat massiu a una escola– que no pas amb la vida que hi ha al darrere. Com a tal, la pel·lícula centra gran part de la seva energia narrativa en una mare (Tilda Swinton) i el seu fill Kevin, que un dia serà l’arquitecte de l’impensable tragèdia.

La pel·lícula segueix la inquietud relació de la parella des del naixement, i troba a Swinton donant una de les millors actuacions de la seva carrera com a mare que intenta desesperadament estimar el seu fill fins i tot quan els seus comportaments psicopàtics es fan més intensos amb l'edat. És un paisatge perillós, amb Ramsay caminant abruptament entre la humanitat i la demonització de Kevin, fins i tot mentre la pel·lícula lluita per trobar equilibri amb la mare tràgica que sempre va veure el mal dintre.

A mesura que la pel·lícula salta enrere i endavant en el temps, explorant les conseqüències de la violència en un discurs igualitari amb el preludi, es produeix una sensació de temor que tremola l'ànima i Hem de parlar sobre Kevin es converteix en un mirall fracturat dissenyat per reflectir una malaltia austera que consumeix el món que ens envolta. Sàviament, Ramsay no ofereix cap remei i, en canvi, ens deixa ensortir-nos en l’embolic que, com a societat, semblem destinats a seguir netejant.