Les pel·lícules més inquietants del 2019

Per Patrick Phillips/12 d'abril de 2019 15:05 EDT/Actualitzat: 30 de desembre de 2019 a les 12: 08h EDT

A la gent li agrada dir-se la freqüència amb què la vida tendeix a imitar l'art (o viceversa) i com el cinema en particular pot servir com a imatge mirall del món no només com és, sinó com podria esdevenir. Si es pot obtenir un valor parcial d’aquests punts de vista, el món on vivim està més que poc fracturat. Potser més preocupant que aquest fet inquietant és que tota mena de malvats semblen estar fent camí a través de les fisures cada cop més àmplies.

Tot i que escolliu visualitzar el món, no hi ha dubte que una àmplia extensió de pors, incerteses, trastorns socials i paranoies inherents ajuden a guiar aquestes coses dolentes a la superfície. Al seu torn, també condueixen les narracions per algunes de les confeccions de pantalla gran més interessants (i més inquietants) en els darrers anys. Aquests mateixos temes i temes complexos estan al darrere d’algunes de les obres més difícils del 2019. A mesura que l'any continuï oferint una potent pissarra de pel·lícules amb terrors bruts, personatges nefastos i delícies fefaents, estarem encantats de fer una crònica de cadascuna d'elles per a vosaltres. Aquestes són les pel·lícules més inquietants del 2019.



El forat a la terra

Des de la seva fundació fa menys d’una dècada, A24 Films s'ha transformat en el petit estudi indie que podia convertir-se en una central indie bonafide. Ho han fet produint una barreja experimentada de drames humansLlum de la Lluna, Lady Bird, Habitació) i un preu de gènere artísticament oblic (Ex Machina, La bruixa, Hereditari). Enguany, A24 segueix el curs amb aquesta estratègia de llançament i comença el 2019 amb el refrigerador paranoic de Lee Cronin El forat a la terra.

Si no coneixeu el nom de Cronin, és perquè El forat a la terra és el primer llargmetratge del cineasta irlandès. Teniu la tranquil·litat, és un debut impressionant, que es troba amb una jove mare i el seu fill que intenten construir-se una nova vida a les vores d’un petit poble rural. Malauradament, la seva nova llar també existeix a la vora d’un vast bosc, i en aquest bosc hi ha un forat nefasta i expansiu, que pot estar o no connectat als dramàtics canvis de comportament del noi.

Només FYI, ho és. No és realment un spoiler, per a una cosa, el fet es fa evident a la primerenca pel·lícula i, per a una altra,El forat a la terra es preocupa menys per les voltes i les explicacions impactants del que es tracta amb la creació d'una atmosfera desoladora de por i paranoia. Cronin i la companyia gestionen aquesta gesta a les piques, combinant els seus calfreds atmosfèrics amb un enfocament de cremades lentes i embruixades que culmina amb un final que se sent com el material dels malsons de Kafka.



Velvet Buzzsaw

Dan Gilroy es va unir amb Jake Gyllenhaal per a una sàtira càustica sobre un ambiciós Angelino que intentava endinsar-se en el món del periodisme de criminalitat. Aquella pel·lícula barrejava perfectament la seva sàtira mossegadora amb una sensibilitat distintivament 'dolenta i tenebrosa', fins i tot utilitzant certs tròpes de pel·lícules de terror per donar a l'acció una qualitat postmarina i post-moderna. Amb una de les millors actuacions de Carrera de Gyllenhaal, Nightcrawler no va ser només una de les millors pel·lícules del 2014, sinó que també va ser una de les seves més desapercebudes.

Aquest èxit va ser la combinació de director, actor i material que la parella va unir per a la darrera confecció satírica de Gilroy, el thriller sobrenatural. Velvet Buzzsaw. No obstant això, estareu encantats de saber que ofereixen una altra incívica acusació de la cultura capitalista per segona vegada Velvet Buzzsaw veu que ho fan amb llengües fermament plantades a la galta.

L’escenari d’aquest recorregut és l’enfòmable i oportunista món de l’art modern i, més precisament, un cercle fluix de fabricants de gustos que s’enriqueixen en vendre un caché de pintures recentment descobert. Es tracta que aquestes pintures van ser creades per un boig l'esperit (i més) que resideix en cadascuna d'elles, i busca venjança contra qualsevol que intenti treure'n profit. Sí, aquesta trama és tan tonta com sona. I sí, Gilroy abraça plenament aquesta tonteria Velvet Buzzsaw. També la tempera amb una dosi de amenaça que transforma la seva paròdia acerbica en una bèstia cruenta i cruenta d'una pel·lícula amb el cap ple de capritxós i el cor ple d'ira.



Senyors del caos

El món on vivim és ràpid per recordar-nos que el fet és sovint molt més estrany que la ficció. Per exemple: la història real, més enllà, estranya que va inspirar l’opus de metall negre de Jonas Åkerlund Senyors del caos. Per aquells que no coneixeu aquesta història, segueix un adolescent noruec anomenat Eurònim que va crear el 'veritable black black metal' a través de la seva banda Mayhem. Per intentar acostar Mayhem a les masses, Euronymous i els seus companys van dedicar-se a una onada de xocants acrobàcies publicitàries que van commoure la nació fins al seu nucli.

Com la majoria dels esforços artístics, aquestes acrobàcies es van iniciar petites, amb el grafiti satànic i el maquillatge de rostres no morts. Els espectacles en viu de Mayhem aviat es van convertir en pinso per al cap de porcs destrossats, respiració de foc i auto-mutilació. A mesura que Eurònim i la seva tripulació continuaven empenyent-se mútuament, la voracitat de les acrobàcies es va anar incrementant, les línies entre 'acte' i 'realitat' es van anar dissolent, cosa que va obrir el camí cap a incendis, violències i (inevitablement) assassinats.

Sí, Senyors del caos narra una d’aquestes històries que simplement se sent massa estrany per creure’s, però es basa completament en realitat. Per la seva banda, Åkerlund presenta cada esforç impoli amb una mirada impactant i impassible, permetent que els fets cada cop més absurds d'aquest cas es desenvolupin més o menys exactament. a mesura que els hem conegut. Al llarg del camí, no té cap especial delícia en presentar els impactants actes (fins i tot quan els presenta amb detall), i en última instància ofereix un drama biogràfic inquietant i ambiciós sobre l’ambició artística dirigit a amok que sentiria coses de farsa, si no fos per la seva realitat inconscient.

Nosaltres

En aquest moment, hauríeu de familiaritzar-vos amb l’augment meteorològic de Jordan Peele a la rellevància de l’experiment de terror horror social perfecte del 2017 Sortir. I si no ho ets, bé, et demanem que vagis a veure Sortir de seguida, perquè és tan sorprenent com has sentit. Tan increïble va ser el de Peele Guanyador de l’scar debutava que hi havia una preocupació legítima de si evitaria la caiguda de dos anys més gran que plaga molts directors avançadors. Aquestes preocupacions es van ampliar quan Peele va anunciar que tornaria al gènere de terror per al seu seguiment.

Per descomptat, aquestes inquietuds es van desdir en una anticipació ansiosa quan Peele va desencadenar-la primer tràiler amb refrigeració òssia per Nosaltres en públic. Per a la majoria de la pel·lícula que es va publicar, es van evaporar completament uns cinc minuts fins a l’últim festival de por conscient socialment del director.

llei de la sorpresa

Igual que el seu predecessor, Nosaltres és una altra confecció de gènere atrevida, incisiva, fins i tot enginyosa, que porta les seves influències fermament a la màniga, però d’alguna manera no sembla, no sent ni reprodueix cap film de terror que hi havia abans. Pel que fa a la trama Nosaltres, és un relat relativament senzill de la ficció doppelgänger que troba que una família està terroritzada per versions males d’elles mateixes. M'agrada SortirPeele té uns peixos molt més grans per fregir-los amb una narració que es retorna i gira, de manera que simplement no podeu imaginar. D’aquells girs i tornades, ja no en direm res. Sabeu només que arriben al darrere d’un temor existencial gairebé asfixiant, i que no es veuen en cap allò que el Pever ha fet abans.

Arrossegat a través del formigó

Parlant de pel·lícules amb una mirada positiva sobre la societat, heu vist la raresa nihilística que és Arrossegat a través del formigó? Tot i que no ho hagués fet, suposarem que heu sentit alguna cosa sobre l’últim de S. Craig Zahler, ja que inclou Vince Vaughn i Mel Gibson. Aquests dies, aquest càsting (en particular, Gibson) porta un munt de preguntes sobre possibles agendes. Pel que fa a l’agenda, us ho podem dir amb tota seguretat Arrossegat a través del formigó no és la màquina de propaganda de la “dreta dreta, la ràbia masculina” alguns crítics han acabat sent.

Si la pel·lícula de Zahler té alguna agenda, és purament la voluntat de xocar, provocar i condemnar a qualsevol persona que hi passi. Aquest acte en si mateix és un dels crits, atès que els 159 minuts de durada de la pel·lícula, un temps d’execució magnificat a infinit pel ritme lent de la pel·lícula, i el fet que es tracta bàsicament de persones que fan coses autònomes.

Com les obres anteriors de Zahler, Arrossegat a través del formigó fa un enfocament violent i ultra violent al cinema, dipositant nois dur narcisistes i compromesos moralment en mons nocturns (si meravellosament fotografiats) on esperen una brutalitat indiscutible. La policia d’aquest malson en particular és la policia racista i corrompuda de Vaughn i Gibson. Com a tal, la pel·lícula mai no vol convertir els herois (ni tan sols anti-herois) d'ells ni de la seva visió del món descarada i autònoma del món. Més aviat, Arrossegat a través del formigó presenta un paisatge elegantment sediciós i imperdonable en el qual poden existir. És un món lleig que està més a prop del nostre, amb el qual molts seran còmodes i, si Arrossegat a través Concrete té un missatge general, és que ningú, ni tan sols l’innocent, pot quedar-se net.

Perforant

Si una desena d’amants del cinema van anomenar-ne els deu més inquietants pel · lícules de terror a la història, probablement apareixeran dues pel·lícules a totes les llistes: el refrigerador demencial i atmosfèric de Takashi Miike audició i el gòtic drama gòtic Els Ulls de Ma Mare. Just FYI, la primera està basada en una novel·la de Ryû Murakami i la segona, dirigida per l’autor indie Nicholas Pesce. No hauria de ser sorpresa, doncs Perforant - adaptat a una novel·la de Murakami i dirigit per Pesce, hauria de trobar el seu camí a aquesta llista.

El que pot sorprendre és el que és una mena de bèstia diferent Perforant és en comparació. Sí, està en joc l’atractiu de Pesce per una atmosfera tènue. I sí, el grotesc horror corporal i el despreniment sàdic que va marcar el de Murakami Audició també hi són Enmig d’aquestes macabres influències, Pesce troba d’alguna manera espai per embrutar el seu últim malson amb una energia estranya, gairebé lúdica, més que recorda una comèdia sexual dels anys 60 que no pas un horror.

Tenir en compte que la pel·lícula tracta sobre un home que contracta una noia trucada amb els únics propòsits de torturar-la i assassinar-la (així desviar les seves ganes de posar una recollida de gel al seu fill fill), no és cap gesta. Aquesta energia també sobreviu a la sagnant i brutal tête-à-tête que impulsa l'acció també és impressionant. That Pesce combina aquells tons dispars en un thriller gòtic desagradable i elegant que invoca alhora l'obra de David Lynch i Billy Wilder és el que fa Perforant ha de veure cinema, encara que acabi odiant-lo. I molts de vosaltres ho fareu.

El vent

Essencialment hi ha dues maneres d’acostar-se a fer una pel·lícula de terror. El primer consisteix en cubetes de sang falsa, un assassí emmascarat (o un monstre sanguinari) i una dotzena més o menys fan por. El segon és centrar-se completament en construir un ambient de pur terrorisme psicològic al servei d’esforços minuciosament executats. Situat entre els paisatges aïllats de la frontera occidental cap a la dècada del 1800 i centrat en un caserío conduït al límit per la duresa de la vida a les planes imperdonables, la fascinant fantasia d'Europa o horror d'Emma Tammi El vent adopta aquest últim plantejament de tot cor. Com el millor dels thrillers atmosfèrics, troba esgarrifances més genuïnes dins de la seva narració embrutada i embruixada, fins i tot qualsevol flaire desenfrenat fins i tot podria imaginar-se.

Com el millor dels thrillers atmosfèrics, El vent fa una aproximació relativament senzilla a la seva narració sobre un propietari dur i tancat de les ungles deixat sol enmig d'un paisatge de praderies desprenent després d'una tragèdia indiscutible. La culminació d'aquesta tragèdia té un paper fonamental El ventés una narració generalitzada, però la pel·lícula és més eficaç quan la dona (que creu que un dimoni malintencionat pot estar assaltant la zona) queda atrapada en una aïllament total. En aquests moments tímids i anímics, quan Tammi permet que la seva pel·lícula es mantingui en un refredat desagradable i estrany, consumit per un sentiment d'aïllament tan horrorós com qualsevol esperit maleït, El vent és com un exercici gairebé perfecte d’horror psicològic. És prou eficaç per passar per alt el fet que certs elements del diàleg i la narració no lineal en qualsevol altre lloc de la pel·lícula deixen alguna cosa que desitjar.

Sematari per a mascotes

Amb les ofertes de gènere lloades per la crítica que arriben als teatres aparentment setmanalment, és clar que vivim una veritable època daurada de l'horror. Com que Stephen King està al darrere d’alguns dels èxits més importants del gènere de finals, és segur dir que també vivim una època daurada de les adaptacions King. Mentre esperàvem ansiosos El capítol dos per arribar als teatres, vam acabar de castigar emocionalment una nova adaptació de la novel·la més venuda de King de nigromània,Sematari per a mascotes.

Els que recorden la despiadada adaptació de Mary Lambert del 1989 segueixen patint malsons amb nadons que pateixen bisturí. L'original era el tipus de terror horrible que us va voler dutxar després dels crèdits llançats. Si esteu atent a la novetatSematari per a mascotes, s'ha advertit que Kevin Kölsch i Dennis Widmyer no perden res d'aquesta agressió en la seva incantació. Amb un parell de canvis relatius a la clau, realment es reforça la molèstia d'arrencar.

Per descomptat, el punt fort de la història és el mateix. Una família es trasllada a Maine, es produeixen morts tràgiques, se succeeixen resurreccions equivocades i regna el majúscul no mort. El que distingeix aquí el caos és que la majoria dels líquids sanguinis són de la mà d’un nen. Mentre que Kölsch i Widmyer revelen clarament la creació d’un sentit implacable de l’angoixa atmosfèrica a tot arreu Sematari per a mascotes, la seva pel·lícula es fa foc quan augmenten els morts i que l'angoixa es converteix en un terror no immigrat, i el duo pren l'alegria explícita en conduir-ho tot cap a un final desgarrador això està obligat a deixar-vos gasar per l’aire.

Bona vida

Des de vessar la pell del llit que el va convertir en una estrella amb el conjunt de tween, Robert Pattinson s’ha convertit en un dels actors més atractius del cinema. Ho ha fet buscant papers no convencionals en pel·lícules impulsades per autors Cosmòpolis (David Cronenberg), El Rover (David Michôd), i Bon temps (Els germans Safdie). Amb cada nou paper i cada nou director, Pattinson sembla inclinar-se a establir el llistó cada vegada més alt per a ell mateix.

No hauria de sorprendre, doncs, que Pattinson es vegués atret per un nou i agosarat projecte de la provocadora francesa Claire Denis. Menys sorprenent és que l’actor es torna a superar amb el paper d’un home que lluita per mantenir-lo viu i la seva filla als confins d’una nau dilapidada perduda a l’espai profund. El que pot sorprendre per a molts és el grau de dramatisme espacial i psicosexual de doble concepte de Denis.

menors de 90 anys de cinema de terror

Creieu-nos quan us expliquem això Bona vida realment torna a posar la psico en psicosexual. Per a aquells que es preguntin com va acabar el papa de Pattinson a l'espai profund, és perquè era un noi dolent i dolent de la Terra que, juntament amb altres delinqüents i un científic realment boig, es va inscriure a un experiment reproductiu radical a l'espai en lloc de morir. presó. Sona bastant estrany? Denis i Co. acaben escalfant-se. El que segueix és una idea maníaca -f ** k d’una pel·lícula alimentada pel sexe, la violència, la traïció i, finalment, l’esperança inesperada. I sí, al centre de la bogeria és una de les millors / més estranyes actuacions de la carrera de Pattinson.

Possum

Si pateixes pupafòbia (per exemple, por a les marionetes), o temor a coses espel·lents i esporàdiques amb vuit potes (per exemple, aracnofòbia), i sobretot si pateix tots dos, us demanem que deixeu de llegir, perquè la característica estreta i desoladora opció de Matthew Holness va ser de debut Possum pot oferir poc més que un món de dolor i la pena de malsons de tota la vida. De fet, el mateix pot ser cert fins i tot si no ho facis pateix alguna d'aquestes fòbies.

No us sorprengui si mai heu sentit a parlar de Holness ' Possum. La pel·lícula mai va arribar a ser una estrena teatral a l'estat i, després d'un ben rebut encara que la seva durada limitada al seu país natal l'any passat, va passar directament a VOD per als mercats nord-americans a principis d'aquest any. Després d’experimentar aquesta petita pel·lícula emocionant, és fàcil imaginar teatres i espectadors allunyats en cotxes. Això no vol dir que necessàriament també.

Sí, un titella apareix de manera destacada Possum. Té forma d’un aràcnid gran amb un monstruós cap humà enganxat, si us pregunteu què us posarà de debò el fòbic. Unida al sentit asfixiant del temor existencial de la pel·lícula, Possum és realment un rellotge molt difícil. Si podeu atraure aquesta bogeria particular, encara esteu buscant una abstracció metafòrica negre i intensa sobre una psique humana danyada fora de la reparació per un trauma i un abús de la infància - una que, tot i que bellament fotografiada i actuada amb habilitat, és tan desoladora. fa el gust de Lynch's Cap d'esborrador i la de Cronenberg Aranya (ambdues influències clares) se senten com un passeig pel parc. Considereu-vos avisats.

La Perfecció

Atenció, fanàtics de terror. Tots els aficionats al terror del cos, si us plau, informeu immediatament a Netflix i afegiu-hi Richard Shepard La Perfecció a la cua immediatament. Tingueu la seguretat que fins i tot el primer terç del thriller psicològic carregat de thriller psicològic de Shepard pot aconseguir una mica més dels grans fanàtics dels subgèneres més horribles de terror. Al centre d’aquest conte retorçut s’hi troben un parell de prodigis de violoncel (interpretats amb parts iguals, zel sinistre i sinistra sensualitat per Allison Williams i Logan Browning). Els moments d'obertura La Perfecció trobar els violoncel·listes en punts de la vida dramàticament diferents, amb l'estrella de Williams es va esvair després d'haver-se allunyat de la música per tenir cura de la seva mare morint, i l'estrella de Browning brillava brillant dins del món de la música, especialment als ulls de l'afició instructora de la parella.

Quan finalment Charlotte es troba lliure de les obligacions familiars, de seguida tracta de tornar-se al món de la música que es va veure obligada a abandonar. Una admiració i una atracció inicial i aparentment mútua entre la parella posa ràpidament als violoncel·listes en un viatge per carretera, que es converteix ràpidament en un malson de terror que faria que David Cronenberg esclati. Però és només l’acte d’estrena de la pel·lícula. A partir d’aquí, bé, les coses es posen de mica enrere, amb Shepard i la tripulació torçant la narració intrínsec de maneres cada cop més inquiets que finalment impedeixenLa Perfecció d’assolir aquesta aspiració titular. Tot i així, sovint es demostra que és un thriller de primera qualitat, exitosament executat, posseïdor d’una energia amenaçadora maníaca que assegurava els desitjosos apetits sanguinaris del gènere famolenc.

Climax

Al llarg de la seva trajectòria durant dècades al darrere de la càmera, Gaspar Noé ha estat etiquetat tot, des d’un descarat provocador fins a un visionari cinematogràfic. Com podríeu encertar amb aquestes etiquetes dispars, és probable que les pel·lícules de Noé deixin disgustat als espectadors i corrin cap a la porta, ja que els deixaran atrevits en una inquietud inquieta. L'únic element que alimenta el cos incendi del cineasta és que el propi Noé sembla menys preocupat com els espectadors reaccionen a les seves pel·lícules sempre que aquestes pel·lícules tinguin una reacció, perquè és exactament el que estan dissenyats per fer-los.

Com les quatre funcions dirigides a Noé, que la van precedir, Climax És un altre experiment cinematogràfic salvatge que es basa en empènyer els límits de la decència narrativa i l'ambició artística. Per ser clar, Climax és una realització tècnica, artística i narrativa tan potent com qualsevol cosa que Noé hagi fet abans. També és cert que molts espectadors es presenten al primer senyal de desastre que vindrà.

Aquest moment arriba aproximadament a la meitat ClimaxAl voltant del temps que la tropa de ballarins del nucli de la pel·lícula descobreix que les seves begudes han estat picades amb un poderós narcòtic. Aquesta és la trama que ens proporciona còmode, no perquè tinguem por de malmetre res per als neòfits de Noé, sinó perquè les paraules simplement no poden fer una crònica de l’al·laginògic al·locinògic que el director es desvetlla en el moment d’aquest moment. Sabeu que, de vegades, és gairebé impossible veure la bogeria desplegada Climax, però sovint és tan difícil mirar lluny.

Ganivet + cor

Hi ha un bon grapat de cineastes que poden reclamar el títol de canviadors de jocs. Si reuniu una llista d’aquests consellers, haureu d’incloure Alfred Hitchcock, Dario Argento i Brian De Palma. Gairebé els trobaríeu a la part superior de la llista de provocadors francesos Yann Gonzalez i Ganivet + cor és tota la prova que necessiteu.

Ambientat a París cap a finals dels 70, Ganivet + cor presenta la història d'Anne, una cineasta especialitzada en pel·lícules blaves i artístiques de la persuasió totalment masculina. Però quan Anne comença la seva pel·lícula més ambiciosa, els membres de la seva tropa comencen a assassinar-se de manera brutal, posant el seu maleté enmig d'un misteri retorçat i desgarrador que fa girar el seu món cap per avall.

Aquest relat trenat troba González préstecs en gran mesura de les obres trencadores dels mestres abans esmentats per lliurar l'estilitzat, rar centrades, Giallo amb tints psicosexual slasher flick el món mai sabia que necessitava. Un que també veu que Gonzalez no va fer cops de puny en relació amb el contingut homosexual o els actes de violència aferrissats. (Per exemple, una joguina gran per a adults té un tall interruptor enterrat per fabricar una arma d'assassinat.)

Així que síGanivet + cor Evidentment no és per al crit. Però als més aventurers es pot trobar que aquest opus més lent i minuciosament executat té el concepte d'un clàssic cinema LGBTQ genèric que ret homenatge als mestres del gènere, fins i tot que empeny la seva obra visionària cap a un nou terreny agosarat.

Hagazussa

En els darrers anys, hi ha un moviment legítim per tornar el gènere de terror a l’arthouse on hi vivia regularment al llarg dels anys 70 i principis dels 80. Això vol dir que els cineastes s’han preocupat una mica menys a l’assetjament cegueig de la sang i han estat més desitjosos d’adoptar una aproximació psicològica al gènere. A totes les belleses de combustió lenta que han obtingut grans pantalles dels últims temps (és a dir, La bruixa, Hereditari, Bona nit, mare, Segueix), Hagazussa L'escriptor / director Lukas Feigelfeld només té una cosa a dir: 'Veig el teu ritme glacial i et faig arribar a l'infinit'.

Per cert, això no és cap broma. HagazussaEl seu ritme minuciós, la seva narració en gran mesura no verbal i el seu disseny minimalista el converteixen en la mena de bèstia de combustió lenta que posarà a prova la sensació de fins i tot el més ferotge dels devots de l'horror. Per als que hi sou, Hagazussa és també una de les ofertes més pesades atmosfèricament del gènere de terror que ha vist mai, i passa a presumir d'un final tan inesperadament gris que es garanteix girar-se l'estómac.

Només per al registre, l’enfocament lent de la història de la pel·lícula no es presenta només per a patades. Hagazussa està ubicada gairebé completament als terrenys muntanyencs de l’Europa del segle XV i segueix una dona desconcertada (anomenada bruixa de molts habitants de la ciutat) que lluita per mantenir la seva salut mentre viu gairebé aïlladament amb la seva filla recent nascuda. En aquesta narració impactant, Feigelfeld utilitza aquest enfocament metòdic per atraure als espectadors en un estat hipnòticament paranoic, que reforça la tensió i fa que els moments finals de la pel·lícula es destrossen.

Estiu

L'estiu passat, Ari Aster, es va desencadenarl’infern brut això va ser Hereditari en els amants de la pel·lícula desconfiats del món. Doncs bé, les temporades han transcorregut el cicle, donant un altre estiu calorós i enganxós al món, i amb això Aster ha llançat una altra explotació cinematogràfica esgotadora que garantitzarà que ningú no tingui tranquil·litat en els frescos confins del seu cineplex local.

Segons Aster, el seu 'drama de ruptura' provocador d'un traumaEstiu no és més que una petita pel·lícula sobre una relació no saludable que va sorgint en flames. I, almenys, sobre paper, és exactament el que aquesta història horrible d’una parella condemnada (jugada a la perfecció tràgica per part de)Florence Pugh i Jack Reynor) visitar el mític festival de mitjan estiu és visitar un poble rural suec. Entendre, però, que Estiu és una 'pel·lícula de ruptura' de la mateixa manera que Hereditari va ser un petit 'drama familiar'. La qual cosa significa que hi ha temes molt més terrorífics en el malson que es va fer al sol Estiu que qualsevol 'pel·lícula de ruptura' que hagis vist mai.

Si encara no heu experimentat el terror assolellat Estiu, hauríeu de saber-ho, com Hereditari, a vegades és gairebé insuportable avorrit. Sabeu que, com Hereditari, aquests moments impactants no es poden veure. Però com Hereditari, la brutalitat a tot arreu Estiu funciona a causa del sentit asfixiant del temor psicològic que Aster construeix acuradament al seu voltant en una de les pel·lícules més espantoses de l'any. I ho sabeu, com Hereditari, lamentem i respectem el seu dret a experimentar aquest succubus al·lucinogen i sacsejador d’ànimes amb una pissarra tan neta possible. Ha estat avisat.

El capítol dos

És una mica difícil de creure, però han passat dos anys des que Andy Muschietti va deslligar el capítol primer de la Ell saga en an públic desconcertat. No només la fantasma de Muschietti i la cacofonia còsmica van espantar el bejeez de tots els que el van trobar (ahem), la pel·lícula també va espantar només al nord de 700 milions de dòlarsa tot el món a taquilla.

Aquesta mena de crític L'èxit financer va suposar, evidentment, algunes expectatives més elevades Capítol segon de la monstruosa i assassinada èpica de pallasso de Muschietti. Estem aquí per dir-te que sí, El capítol dos és tan inquietant com el seu predecessor. I sí, El concepte absolutament mental de Bill Skarsgård a Pennywise Encara és molt el protagonista de la sèrie (tot i que té una competència molt seriosa en aquesta sessió, de la mà de Bill Hader i Jessica Chastain).

Per descomptat, l’horrorós de Pennywise Capítol segonschtick no està al nivell de 'calma fins a l'os', ja que era a la primera vegada, perquè sobretot sabem què esperar de l'assassí feliç. No vol dir que Muschietti i Skarsgård no tornin a provocar el dolor. El capítol dos més que brinda la lluita de sang i el terror desenfrenat que esperaríeu (vegeu aquella escena de teranyines de Stanley), però Capítol segon posa el club de Losers al davant i al centre. Com a tal, Muschietti & Co. reforça les apostes emocionals de l'acerosa acció i proporciona aquesta rara de pel·lícules de terror que no només pretén xocar, sinó atreure els seus desconcerts.

Freaks

Tot i que l’absteniment “un de nosaltres” que puntualitza el xoc de culte de Tod Browning del 1932 Freaks potser han treballat fàcilment al món abominable de Zach Lipovsky i al festival de ciència de ciència-ficció, anomenat de manera similar a Adam B. Stein, un nom que tenen en comú. El món de Lipovsky i Stein Freaks no és diferent a qualsevol cosa que hagueu experimentat abans.

Dit això, només haureu de confiar en nosaltres quan us expliquem que és la millor manera d’endinsar-vos en l’horrorós món Freaks consisteix a conèixer el mínim possible. Confieu també quan diem que qualsevol cosa que penseu és possible FreaksEl fet de descobrir el mal d’informació de l’acció és part de la diversió indescriptiblement fora de la pel·lícula.

El que et direm és que Freaks segueix una minyona atrevida (la recent arribada Lexy Kolker) que, després de ser criada en un estat de captivitat forçada pel seu pare clarament inestable (Emile Hirsch), fa una escapada i troba que el món no és en absolut el que pensava. i pot ser molt més perillós per a ella del que mai hauria previst. Lipovsky i Stein passen la primera mitja hora de Freaks la construcció d’un thriller claustrofòbic. Però quan la pel·lícula esclata i el seu món s’expandeix, bé, enganxeu-vos als vostres seients, perquè s ** t es fa molt ràpid, ja queFreakses converteix en un xocant i polític carregat de càrrega que mai veuràs arribar.

Els tigres no tenen por

Una ullada a les notícies d’aquests dies us dirà que el món tal i com el coneixem no està realment amb una gran forma. La ciutat de Mèxic en particular ha estat absolutament estralls en els darrers anys per vessament de sang derivat de guerres de càrtels fastigoses. Guerres que han deixat centenars de milers de morts, sense oblidar-nos d’una generació de joves mexicans orfes, que lluiten per la supervivència als carrers mitjans d’una ciutat que els ha oblidat.

Els carrers d'una ciutat mexicana sense nom constitueixen l'escenari de la fantasia negra del cor de Issa López Els tigres no tenen por. I a la realitat nocturna de la pel·lícula, López diposita una espantada nena anomenada Estrella, la mare de la qual (com tantes altres) ha desaparegut misteriosament. La jove heroïna està armada amb tres desitjos i acompanyada d’una banda de companys orfes. A mesura que Estrella s’ajusta als perills perpetus de la seva nova vida, descobreix que els seus desitjos podrien ser reals, i els desitjos no sempre es fan realitat de la manera que espereu.

Parts iguals Guillem de el Toro-estil fantasia fosca, J-horror pessigoteig i dramatisme del càrtel, Els tigres no tenen por és un refrigerador neoòtic gòtic perfecte i perfectament intens, tan perspicaz com tan espel·lent. Si bé la sinergia atmosfèrica i sobrenatural que impregna cada fotograma de la pel·lícula és més que suficient per mantenir-vos al marge, la càrrega emocional Issa López & Co. proporciona al seu costat és el que us deixa trontollar fins al nucli i tot plegat assegura. Els tigres no tenen por perdurarà al cap i al cor molt després de la publicació dels crèdits.

Ladyworld

Ara hi ha una pel·lícula de la qual gairebé no es pot parlar ... encara que es pugui veure obligat a pensar millor en trucar a Amanda Kramer Ladyworld una pel·lícula en absolut. Més aviat, el seu relat silenciat de manera maníaca sobre les nenes adolescents que van ser batudes després d’haver estat tallades del món després d’un desastre natural desconegut és, certament, menys una pel·lícula que una peça d’humor amenaçadora i experimental sobre la fragilitat de la naturalesa humana i les estructures socials.

autèntics actors sanguinis

Com a tal, Ladyworld s'inspira en gran mesura de l'estimada 1954 la novel·la de William Golding senyor de les mosques, trasplantant essencialment la seva trama des d’un paradís illenc aïllat als confins sufocants d’un apartament, i jugant hàbilment amb els rols de gènere seguint noies adolescents suburbanes en lloc de nois adolescents. Si bé les tàctiques poden variar dins de la tripulació de Kramer, podeu estar segur que els resultats són familiars, amb totes les tortures (tant emocionals com físiques) que espereu.

L'aprofitament de Kramer sobre el tema és molt més inquietant que el de Golding, amb opcions estilístiques agosarades (és a dir, fotografia claustrofòbica i disseny de so salvatge descarat) que mantenen els espectadors a l'avantguarda i els submergeixen plenament en un món que alhora habita en la hiperrealitat i l'eternalitat pesadilla. . El resultat és una pel·lícula que veu senyor de les mosques a través del prisme desconcertant Els suïcides verges. Influències obvies, a part, us podem assegurarLadyworld (que també té un gir brillant Coses estranyes ruptura Maya Hawke) és molt bèstia. I aquesta bèstia embolica una mica de picada.

Bromista

Des que debutant el 1940, l’enigmàtic maníac que hem conegut simplement quan Joker ha passat a convertir-se en l’estàndard d’or dels supervil·lins, i continua demostrant un enemic adequadament desgraciat en el món de Batman - un capaç d’actuar de tota mena d’actes atroços contra el Dark Knight, els seus aliats i els ciutadans de Gotham. Aquest tipus d’estat de comodins va ajudar a fer del Joker una font visceral d’energia malament maníac al llarg del temps les seves múltiples aparicions a la gran pantalla.

Mai no va ser tan cert com en el moment que Todd Phillips va tenir un origen fonamental i elegant sobre els possibles orígens d'un personatge realment original, però no menys demencial. Títol senzill Bromista, La confecció autèntica i autònoma de Phillips adopta amb molta prudència el primer enfocament del personatge Joaquin Phoenix retratant el que seria el príncep pallasso de la delinqüència com un exclamat social de bonica societat que patia deliris narcisistes que el fan propens a esclats de violència extrema. Com a tal, Bromista té molt en comú amb els del gritty de la vida de Martin Scorsese, drames de vida com els Taxista i El rei de la comèdiacom fa les pel·lícules de Batman Tim Burton o Christopher Nolan.

Sí, s’ha fet molt comodíla seva moralitat retorçada, la seva mentalitat de guerra de classes i el seu ús traumàtic de la violència. S'ha parlat encara més del personatge potencial d’inspirar món real actes de traïció. La veritat és que tots aquells elements externs construeixen un sentit elevat i inquietant de la hiperrealitat a Phillips Bromista, però el simple fet és que la pel·lícula continua sent tan maleïda inquietant perquè l’auge del Joker no ha semblat mai plausible.

Depravada

Durant les últimes dècades, Larry Fessenden ha forjat una de les carreres més interessants a la vora de Hollywood. De fet, aquesta carrera ha trobat freqüentment el genoll de Fessenden en una sang falsa i excelsos ominosos al servei de reimaginar el que podria ser l'horror. Més recentment, l’autor de terror indie ha construït la seva petita incubadora per a una fira de gènere de baix pressupost, a l’abast de la seva companyia de producció Glass Eye Pix, i és justament allà on Fessenden va néixer el seu modern disseny que va retractar dels mites de Frankenstein.

Part incisiva Frankenstein-Cèntrica pel·lícula de monstres i un dramatisme amb personatges que afecten, Fessenden Depravada és essencialment el que Frankenstein potser s’hauria convertit en Shelley per escriure-ho avui, cosa que vol dir que és encara un gòtic monstre de cor fred sobre els hubris morals i científics que deixen desaprofitar la humanitat. Només Fessenden té prestat aquesta configuració per explorar temes igualment pesats com el trauma de la postguerra, la bogeria farmacèutica i el poder perdurable de la consciència humana en circumstàncies realment inconcebibles.

És clar, Depravada és en primer lloc una història clàssica de terror sobre un metge demencial que aglutina les parts del cos per donar vida a una cosa no morta. Com a tal, es nodreix de molta sang i força i humor per satisfer els gustos de la majoria de terror. Però, amb els seus personatges profundament humans (és a dir, tràgicament defectuosos), un guió insígnia i un to temible, Depravada transcendeix el tradicional Frankenstein una narració per oferir una cosa molt més inquietant: un gòtic modern en el qual fins i tot les intencions més nobles són corruptibles en nom del comerç i una on els homes i els monstres són els mateixos.

Felicitat

Gràcies al oh-so twinkly Crepuscle franquícia, el gènere dels vampirs era més aviat més que una broma d’ullet que un paisatge fèrtil per a contundents i fantàstiques històries de la delícia no morta. Per sort, els puristes del gènere han passat els últims anys reivindicant el temible subgènere en nom de les cries que pateixen setge de sang. Ho han fet tornant a sortir al carrer als vampirs en forma de thrillers sagnants i de baix pressupost com La Transfiguració i Una noia camina cap a casa per la nit, fins i tot amb el mal humor de Què fem a les ombres que serveix per restaurar el conjunt que xucla la sang al seu lloc just a la part superior de la monstruosa majestuositat del cinema.

cara de hulk enfadat

Afegeix el nou joc de Joe Begos Felicitat a la llista de relats de vampirs que reivindiquen la grandiositat amenaçadora del gènere, fins i tot si la paraula 'vampir' no s'utilitza mai en la pel·lícula. Situat entre els vins verinosos de l'actualitat a Los Angeles, Felicitat troba un pintor egocèntricament autocèntric embolicat en un blocatge creatiu atenuant i en deute amb alguns agitadors greus en el món de l'art de la L. L. Amb una desesperada necessitat de sacsejades, es dirigeix ​​cap a un poderós fàrmac al·lucinant i, amb una mica d’ajuda d’un gal-pal sense ànima, ràpidament espiralitza en un malson empaprat de sang de sexe, assassinat i, això sí, la creació, els resultats de que simplement s’han de creure. Només heu de saber que no podreu rebutjar les frivolitats desaconseqüents que conté l'acte final de Felicitat.

La Lògia

Amb el psico-refrigerador embruixat del 2014 Bona nit, mare, El duo austríac Severin Fiala i Veronica Franz es van anunciar al món com el rar tipus de realitzadors de gènere capaços d’entregar delícies més esglaonades alimentades tant per l’humor meditativa com per la humanitat incisiva de l’ànima. El duo torna amb la seva pel·lícula de seguiment La Lògia, i sabreu uns cinc minuts d’aquesta bellesa amenaçadora que el duet acabava d’escalfar amb el seu debut desagradable. El thriller públic fred a Sundance a principis del 2019, i finalment veurem un llançament ampli el febrer del 2020.

Hi ha poc espai per a la calor als confinats gelats de Fiala i Franz La Lògia. Engegada per una tragèdia brutal, la pel·lícula es desplega gairebé íntegrament dins de les parets esmerilades d’una remota cabina arrelada en una tempesta de neu implacable. A l'interior hi ha dos nens (EllJaeden Martell i la recent arribada Lia McHugh) i la seva madrastra aviat (Riley Keough), a qui reproven el divorci dels pares i la següent tragèdia. I el que es desplega dins d'aquestes parets és un autèntic pensament ** d'un joc de gats i ratolins que deixarà la seva part de cors a la gola.

Per descomptat, els jocs de gats i ratolins són justos si totes les parts són conscients del joc que estan jugant. A més, cal destacar que si el partit que no és conscient és un ex-membre del culte, i el sol supervivent d'un suïcidi massiu, el joc pot resultar més traïdor per als jugadors coneixedors. Com a La Lògia es desplega, les regles de l’esmentat joc es desplacen de maneres cada cop més alarmants, amb tots els implicats que s’enfonsen cap a un final que, com s’ha esmentat, deixarà els cors a la gola i les psiques es fracturaran de manera que encara no podeu entendre.

Ferides

Paraula de consell: si mai ensopegueu amb un telèfon mòbil perdut, feu-vos un favor i torneu-lo a la persona més propera i perduda immediatament. No intenteu esbrinar com desbloquejar-lo. No comenceu a enviar missatges de text amb un desconegut complet que us envia missatges seriosament sinistres. I, en nom de tot el que és bo i sant, no comenceu a desplaçar-vos per les imatges d'aquest telèfon. Si us estigueu preguntant per què no hauríeu de fer aquestes coses, els maldestres i meravellosos de Babak Anvari Ferides demostrarà més que el nostre so lògic perdut i trobat.

Ferides de fet, el barman del quarterback francès d'Armie Hammer serà en possessió d'aquest telèfon. Quan inadvertidament l'agafa a casa amb ell després d'un canvi de nit especialment intentat, té idea que la seva nit (ergo la seva vida) està a punt de fer-se molt més estrany. Però, un cop comença a fer missatges de text al desconegut a l’altre extrem i a explorar els continguts intensament inquietants del propi telèfon, bé, les coses es fan foscos realment ràpidament per al barman i els seus amics.

Què fosc, pregunta? Diguem que les coses que es veuen en aquest telèfon són legítimes de malson. I un cop Will i la seva xicota (Dakota Johnson) comencen a desvelar el misteri darrere de les inquietants imatges, Ferides comença un descens brut en una narració diabòlicament inquietant que deu tant a Kafka com a Lovecraft. I no, no fem aquestes comparacions a la lleugera, per la qual cosa compteu-ho Ferides és un tipus especial d’espantós i no s’ha d’entrar a la lleugera.

El Far

És massa fàcil d’oblidar ara, però fa uns anys ningú (aficionat al gènere o al cinema snob al cinema blau) no sabia realment qui era Robert Eggers. Això va canviar gairebé durant la nit, per descomptat, després de la ruptura nerviosa d'Eggers La bruixa teatres d’èxit - almenys ho va fer per a aquells aficionats al gènere que prefereixen els seus fleters arthouse servits amb un aspecte fantàstic d’angúnia sobrenatural i amenaça brut.

Per als nombrosos espectadors que s’han atrevit a mirar la mirada contundent de Black Philip, La bruixa va provar el tipus de pel·lícula que deixava un lloc més enllà de la inquietud de veure què faria Eggers després. Podeu comptar entre Willem Dafoe i Robert Pattinson entre aquest lot, ja que cada actor va contactar personalment a Eggers per expressar el seu interès a saltar a bord del projecte en què estava treballant el director. És possible que ambdós actors lamentessin aquesta decisió una vegada sobre el conjunt d'Eggers ' El FarA causa del fet que la pel·lícula gelada de la pel·lícula a Nova Escòcia ha estat prou informadaun repte. Tot i així, Dafoe i Pattinson eren probablement més emocionats quan finalment van veure la pel·lícula acabada.

De El Far, no direm gaire, no perquè no hi hagi molt per dir de la pel·lícula, però perquè realment l’has de veure per entendre-ho. Tot i que El Far És, certament, una pel·lícula que no enteneu tant com experimenteu. De qualsevol manera, l’últim malson cinematogràfic d’Eggers es reduirà sens dubte com una de les vegades més estranyes que tindreu al cinema enguany. Només has de saber que també pot baixar com un dels millors.

Daniel no és real

Elijah Wood entra ara a la quarta dècada de la seva carrera cinematogràfica. Com a tal, continua sent un dels pocs antics actors infantils que han aconseguit passar amb èxit a una carrera ben vista per a adults. Tot i que Wood es manté ocupat com a actor, des de fa la dècada passada fa alguns dels seus millors treballs darrere de la càmera, produint autònoms de gènere a través de la seva casa de producció SpectreVision.

En els darrers cinc anys, SpectreVision ha llançat algunes de les ofertes de gènere més benvolgudes (i més esquerranes) de l'actual època horror de l'època. Una noia camina cap a casa per la nit, El noi, The Greasy Strangleri l'opus de venjança que destrossa la ment de l'any passat Mandy entre ells. Podeu avançar i afegir Adam Egypt Mortimer Daniel no és real, perquè és un altre brutal i totalment desconcertant més gran creixement del cànon SpectreVision.

No parlarem gaire Daniel no és real aquí, perquè dir qualsevol cosa sobre la pel·lícula probablement arruïnaria els seus atenuants encantaments. Simplement direm que la pel·lícula (part de thriller psicològic, part d'un xoc pseudo-sobrenatural, i part d'alguna cosa ... completament inesperada. La història segueix un estudiant universitari amb problemes (Miles Robbins) que es dirigeix ​​a l'amic imaginari de la seva infància (Patrick Schwarzenegger) També hauríem de dir que aquell amic era un sociòpata que era un nen jove, i que només ha augmentat de manera inquieta amb el temps, tot això significa que la vida per al jove amb problemes i per a tots els que l’envolten. es fa cruent i lluita de maneres cada cop més freaky.

A la tela

Si vas aconseguir aguantar les primeres tres pel·lícules de Peter Strickland, el thriller de venjança del 2009 Katalin Varga, Intrigantment l'abstrús del 2012 Berberian Sound Studioi el dramatisme S & M de 2014El duc de Borgonya, sabeu que cada pel·lícula és més absurdament abstracta i innegablement absorbent que l'última. Sembla que els peculiars gustos cinematogràfics de Strickland gairebé no han desaparegut en els cinc anys posteriors El duc de Borgonya cines de gràcia. De fet, sembla que les primeres pel·lícules es van acabar escalfant per a la seva última concoció bizarro A la tela.

I no us equivoqueu, A la tela és mans de la pel·lícula més salvatge que ha fet fins ara Strickland. També és un dels seus millors. Situat a una petita ciutat britànica, A la tela s’obre amb un amable divorciat (Marianne Jean-Baptiste) que torna a entrar en l’escena de les cites. Després d’aparellar-se amb un possible company, decideix comprar un vestit nou per a l’ocasió. Una vegada que entri a les portes dels grans magatzems Dentley i Soper, diguem-ne A la tela es fa molt estrany, quan un vestit posseït comença a causar estralls a la vida de tots els que el troben.

Heu llegit això, el 'vilà' de A la tela és una peça assassina, però aquesta és només la punta de l’iceberg bizarro de la pel·lícula, ja que es transmetrà hipnòticament a un casal nocturn, amb una tonalitat metafísica de color groc ple de flors fetitxistes embruixadores, barres laterals i voladíssims vols de fantasia febril com profundament pertorbadors. ja que estan estranyament.

El rossinyol

Quan el director deL'Exorcista afirma que la seva pel·lícula és 'la pel·lícula més terrorífica' que ha vist mai, clarament heu fet alguna cosa bé. Pocs no estarien d'acord amb que Jennifer Kent va lliurar la mercaderia quan ella desfermat Els Babadook al món el 2014. Però un èxit com aquest, sens dubte, augmenta les expectatives per a la seva pel·lícula de seguiment, sobretot entre els fans que busquen una altra confecció de terror provocadora de malson.

Potser en reacció a aquestes expectatives, Jennifer Kent va evitar el gènere de terror per al seu seguiment, en lloc de lliurar un thriller del segle XIX ambientat en els perills de la natura de Tasmània. Però això no vol dir que Kent passés un ritme suau Els Babadook, perquè us podem assegurar El rossinyol sovint és tan horrorós.

Per descomptat, ja us direm que hi ha un bon grapat d’escenes El rossinyol que fins i tot els seguidors de terror ferms lluitaran per aconseguir-ho. En particular, es tracta de la violació brutal del protagonista de la pel·lícula (interpretada per Aisling Franciosi, amb intensitat nerviosa desgarradora), una escena en què l’agressió sexual no és sorprenentment la cosa més atroç que va passar. En realitat, l’horror abominable del moment fa trontollar tot allò en què Kent portava Els Babadooki posa en marxa un refredat càustic i antiimperialista contra una dona desdenyada per venjar-se dels errors inimaginables. Sense fer malbé la persecució, simplement direm que el camí cap a la venjança està ple de terrors propis. Al llarg del camí, Kent ofereix una pel·lícula de persecució emocionant tan brutal com imparable i compassiva.