Les millors escenes de pel·lícules del 2019 fins ara

Per Amy Roberts/30 de juliol de 2019 16:05 EDT

El millor de qualsevol cosa sempre és subjectiu. Les escombraries d’una persona són el tresor d’un altre. És cert sobre gairebé totes les formes d'entreteniment i és especialment cert quan es tracta d'escenes de pel·lícules. Tot i que lògicament es pot seguir que les millors escenes de pel·lícules de l'any provenen del que generalment les audiències consideren les millors pel·lícules de l'any, també és cert que de vegades les millors escenes provenen de pel·lícules que no són de cap manera destacades, però que va excel·lir en un o dos moments que van despertar l’atenció del públic a tot arreu.

Les millors escenes de pel·lícules solen ser les que provoquen curiositat i debat o uneixen un públic amb horror, hilaritat, confusió, triomf o repugnància. Poden entrar perfectament en converses ja existents sobre la cultura pop o la mateixa societat, però el més important, també són escenes tan senzilles com possibles.



Amb això, aquestes són les millors escenes de pel·lícules del 2019 fins ara. Sí, hi haurà spoilers.

L’autoavaluació de Captain America a Avengers: Endgame

Comprendre la veritable grandesa de la webVenjadors: Joc final escena en la qual el capità Amèrica (Chris Evans) del 2012 s’enfrontava al capità amèrica del 2023, primer heu d’agrair el comentari que va fer Scott Lang (Paul Rudd) anteriorment a la pel·lícula que l’heroi patriòtic té el cul d’Amèrica. - una observació amb la qual probablement els més ardents dels homes heterosexuals no estarien en desacord.

El proesa tècnica del capità Amèrica lluitant ell mateix és impressionant per si mateix. Una combinació d’alguns efectes visuals seriosament impressionants, una il·luminació intel·ligent i una coreografia perfecta per part de l’actor i el seu doble d’acrobàcies fan que l’escena sigui perfectament perfecta, deixant espai per a tots els ritmes còmics enginyosos que apareixen durant aquesta.



El resultat és una escena memorable que paga el servei de fan sense desviar-se de la trama. En última instància, també és una escena que ofereix un homenatge benvolgut a un personatge que arriba al cercle del final. Però és el moment final que representa la millor recompensa, i possiblement el moment més divertit de tot MCU. Després de derrotar el seu jo del 2012, Captain America triga un moment a revisar-se (com ho faria) abans de comentar: 'Això és El cul d'Amèrica! '

Si l'Acadèmia no inventa una categoria de cul d'Amèrica completament nova als Oscars d'aquest any, amb la qual cosa li atorga a Evans el trofeu que mereix de tot cor, no hi ha simplement justícia en aquest món.

Tree viu les seves millors morts el 2U dia de la mort feliç

El Feliç dia de la mort seqüela potser camina més per una ruta de ciència-ficció que el camí de terror de la primera pel·lícula, però mai no perd el sentit macabre de l’humor. Aquesta vegada, Tree es troba despertant en una realitat alternativa on la seva mare encara està viva, el seu xicot es troba amb la seva frenètica i torna a quedar atrapat en un bucle de temps que es torna a restablir cada cop que mor.



Al punt mig de la pel·lícula, Tree i la seva colla de nerds de ciència de confiança descobreixen que potser podran arreglar el temps, però també han de comprar un temps per provar-ne les teories i esbrinar-les. Malauradament per a Tree, això vol dir que ha de ser un registre humà de la seva feina, i que també s’ha de matar repetidament perquè puguin restablir la línia del temps. El muntatge resultant, s’ajusta perfectament a l’himne de supervivència de Paramore ”Temps difícils', És una seqüència magistral d'humor fosc que li dóna a Tree una sensació d'autoritat ombrívola sobre la seva vida i la seva mort.

Escena i sensible, l'escena mostra una sèrie relativament lliure de morts de greixos que afectaven trituradors de llenya, netejadors i electrocució. Però el més elegant consisteix en caure lliurement d'un arbre en la seva roba interior i trencar la quarta paret per deixar anar l'audiència abans d'explotar a terra just davant del seu beau i la seva actual núvia. És molt divertit.

Billy fa poder a la seva família a Shazam.

Shazam! És fàcilment una de les millors pel·lícules de l'any fins ara, i també la més inesperadament brillant. Si tots som sincers, algú esperava veritablement que la pel·lícula fos la delícia excepcionalment intel·ligent, enginyosa i emotiva que va resultar ser? Probablement no.

La pel·lícula mostra la seva mà més gran durant el moment més àlgid, on Billy fa més gràcia al vilanoví Sivana animant els seus germans acollidors a posar-se a l’abast del ceptre encantat de Shazam perquè puguin compartir el seu poder entre ells. Els nens, que són deliciosament excèntrics a la seva manera, es transformen en superherois adults que poden ajudar el seu nou germà a salvar el dia.

taquilla de la lliga de justícia

Es tracta d’un moment desagradable i que uneix els temes fonamentals de la pel·lícula que pivoten sobre la importància de la família, però també el valor de les configuracions familiars poc convencionals. I la família Shazam, volant pel cel com a superherois adults i treballant junts per aconseguir un ritme satisfactori, són tan poc convencionals com arriben.

L’enfrontament ballètic al final de Nosaltres

La joia de la corona d'un film apilat amb escenes destacades, Lupita Nyong'o dóna una increïble doble actuació en aquest enfrontament final entre els doppelgängers Adelaide i Red inNosaltres. Situat en el món subterrani del Tethered i anotat per 'Remix TetheredL'escena (que era de 'Luniz's' I Got 5 On It) rodat en només dos dies) és una obra magistral de ritme, to i coreografia perfectes.

Mostrant a Adelaide i a Roja enfrontant-se per una última vegada, interconnecta amb seqüències dels dos compartint un recital de ballet que divideix entre el món de dalt i el de baix, director Jordan Peele infon la seqüència amb un ritme estriat que realment retorna la tensió.

Es tracta d'una baralla que posa en relleu el que hi ha en joc: el desig de gaudir del lliure albir en el món molt més ampli i de l'oportunitat de viure una vida feliç amb una família amant. Però també serveix el desembarcament de la bomba del gir final que Peele llança de manera acollidora durant les escenes de cloenda de la pel·lícula: Adelaide i Red van canviar els llocs quan eren nens, i pot ser que la dona que hem estat animant durant tot el temps fos la vilanovina. És deserviciós dir el mínim.

Escena amorosa de Long Short

Històricament, el cinema no sempre ha estat el més precís a l’hora de representar el sexe de la manera que té el mortal mig baix. En comptes de mostrar les vegades greus, sovint incòmodes i de vegades molt breu aspectes de dos éssers humans, les pel·lícules se centren en un sexe èpic, perfecte i en aparador.

Això és el que fa que l'escena de sexe abrupta entre la periodista hipster de Seth Rogen i la candidata a la presidència de Charlize Theron al rom-com polític Tir llarg més intrigant. Dura aproximadament deu segons i, d’alguna manera, les dues parts es satisfan al final, no només el tio. L'escena va dibuixar immediata ir d'algunes dones que estaven entenedores frustrades amb la representació d'una dona que arribava al clímax tan fàcilment.

Tot i això, això també forma part de la força de l'escena: és inesperat, una mica maldestre i meravellosament imperfecte. Crucialment, l'estranyesa del moment no va ser descoratjada, amb tots dos personatges discutint immediatament la raresa de tan ràpida satisfacció. En fer-ho, l'escena ofereix una breu però benvingudacomentaris sobre clics de Hollywood de personatges femenins aparentment super fàcilment.

Potser el més interessant és, per tant, que l'escena pot ser tan curta. Theron ha dit que una de les raons per les quals és perquè ella era simplement 'cansat aquell diai 'no volien fer tota la feina'. La qual cosa, com Rogen ha retortat, s’assembla molt al sexe real.

Keanu Reeves treballa a si mateix a Always Be My Potser

El 2019 ha estat oficialment l'any Keanu reeves i ha passat molt de temps, i finalment va unir crítics i públics per celebrar descaradament l’actor notòriament privat com una rara i legítima marca d’estrelles (i aparentment molt simpàtic), tant a la pantalla com fora.

És una idea que el rom-com Original Netflix Sempre Be My Potser s'enfila cap a l'escenari central amb orgull abans de desconstruir l'estat estimat de Reeves per a riure's enormes. L’escena s’ambienta perfectament, amb Sasha (co-escriptora Ali Wong) a l’espera que arribi el seu misteriós nou xicot mentre està per partida doble amb l’antiga guspira Marcus (Randall Park), que clarament ja està nerviós per conèixer al noi que ara es troba amb el amor de la seva vida.

Quan Reeves entra finalment, la directora Nahnatchka Khan ofereix al moment de la bomba el gravita i el drama que es mereix. L’actor s’orienta pel restaurant a càmera lenta i porta tota l’articulació aturada. Comprensiblement, Marcus està horroritzat.

Es tracta d’una joia còmica d’una escena que veu a Reeves representar una versió delirant d’ell mateix: amputat, divertit com l’infern i ple d’intents tristes de filosofies punyents com: “Les úniques estrelles que importen són les que mires quan somies. ' L'escena està tan perfectament executada i cronometrada, colpejant aquest Zeitgeist Keanussance en el moment just, que pràcticament embolcalla la resta de la pel·lícula.

Fyre revela un inquietant pla de pagament d'aigua

Un documental molt esperat per als nens rics que té un mal moment nois, Que es va estrenar a Netflix a través d’internet va produir una caiguda de mandíbula col·lectiva memes en desconcert per les revelacions d'Andy King, el que ha sofert un llarg planejador d'esdeveniments condenat Festival Fyre.

La pel·lícula és una visió descarada però captivadora del que succeeix quan un festival de luxe a gran escala només rep una planificació a nivell de superfície i no té logística raonable perquè la cosa passi realment. Així que és increïble, però dolorosament plausible, quan al mig punt King revela que el fundador del Fyre Festival, Billy McFarland, li va demanar que “prengués una cosa important per a l’equip” (i és força literal gran cosa) per obtenir aigua potable a través de les duanes.

alyson hannigan 2018

Però no és només l’audàcia de McFarland a demanar a un membre gai del seu personal que realitzi un acte sexual sobre un home que continua provocant converses en línia. És també l’acceptació de King que simplement havia de fer el que va dir McFarland per salvar el festival. 'Pots imaginar?' ell pregunta. 'En els meus trenta anys de carrera, això era el que estava disposat a fer. '

Comprensiblement, King va demanar als cineastes que eliminessin l’anècdota del documental, però ho va ser aparentment explicat del director Chris Smith, 'Sense aquesta escena, no hi ha cap documental'. Smith no es va equivocar. El moment inquietant és el fil conductor de tota la debilitat impactant i és tristament representatiu d'una economia de cultura on es tracta constantment dels treballadors que vagin més enllà del seu treball.

El emotiu capità Marvel de Stan Lee

El homenatges van tenir raó interminables quan la llegenda del còmic Stan Lee va morir a la gran edat de 95 anys el novembre de 2018. A més d’ajudar a crear alguns dels herois de còmics més venerats de tots els temps, Lee continua sent una estimada icona cultural pop - una de la qual la condició de llegenda va ser repetidament campionada en tots els cameos ho va fer dins de l’Univers Cinemàtic Marvel.

Això és el que converteix el seu cameo Capità Marvel tan maleït emocional. Si no apareixia al menys una sola llàgrima al cinema per la seva aparença, i Carol Danvers (Brie Larson) sabent somriure en la seva direcció, pot ser que estiguis morta al seu interior.

Ambientada el 1995, l'escena mostra a Lee llegint el guió de Mallrats, pel·lícula que també va gaudir d'una breu cita durant una escena davant de Jason Lee. Resulta que no van ser només els públics els que van tenir un cop a la gola durant l'escena. Mallrats El cineasta i aficionat al còmic Kevin Smith va confessar que era 'un embolic embolicat'després de veure-ho.

Tenir Lee com ell mateix a l'escena ofereix un homenatge amorós i únic a l'home a qui deu la cultura pop. Però també destaca un dels grans aspectes de moltes de les pel·lícules recents de la MCU: la seva capacitat de ser conscient de si mateix, alhora que ofereix moments emocionants que semblen positius amb els fanàtics.

La lluita de ganivets desordenats de John Wick: Capítol 3

Siguem honestos.John Wick: Capítol 3 - Parabellum es molesta amb escenes i escenes indignants que podrien, i haurien de ser, estar a la llista. Entre Wick reclama l’ajuda d’un cavall i alguns gossos especialment entrenats per assaltar a gran escala el continental Francament, estem malmesos per la seva elecció. Però la baralla de ganivets que es produeix a la botiga d’antiguitats està a un altre nivell.

El director Chad Stahelski, un gran fan de Sergio Leone, ha declarat que l'escena és 'una oda directa per a aquesta El bo, el dolent i el lleig, 'amb Wick a la recerca d'una pistola antiga que pot confeccionar per defensar els seus atacants. Tot i això, en el caos de trobar i construir l'arma, Wick es troba involucrat en una lluita de ganivets mal realista que suposa poc més que un munt de talls que s'enfilen els objectes punxents i no aconsegueixen que la majoria s'enganxi.

'És només la realitat. Tothom ha llançat un ganivet i no ha quedat enganxat i ha tornat a rebotar ”, va dir Stahelski Polígon. 'Tots aquests assassins llencen ganivets i no s'enganxi res i un s'enganxa aquí i això no ... Només pensàvem que seria hilarant'. El resultat és una seqüència d’acció gairebé perfecta amb coreografia tan cronometrada per a la tensió com per a la comèdia.

Charlotte i Lizzie es venjan de la perfecció

Els darrers anys han vist com una nova collita de pel·lícules de venjança enfront de les dones MFA, Infern fred, i La venjança apropant el gènere ben gastat al públic modern. Tot i que brillants, aquestes pel·lícules no contesten exactament la naturalesa fórmica dels seus predecessors. Entra a Richard Shepard La Perfecció, una pel·lícula amb un gir a la pel·lícula de la venjança tan violentament inesperada que legítimament va emmalaltir el públic.

Una de les maneres en què la pel·lícula sobresurt consisteix a estalviar al públic escenes gratuïtes dels actes pels quals les dones protagonistes busquen venjar-se. De fet, la pel·lícula només es converteix en una narrativa de venjança de violació a l'acte final de la pel·lícula, en què Lizzie (Logan Browning) i Charlotte (Allison Williams) revelen la seva fidelitat després de convertir-se en amants i, després, enemics, després de la seva rivalitat professional inicial.

Influenciat per pel·lícules d’explotació i l’obra de Park Chan-Wook, l'escena en la qual Lizzie i Charlotte s'uneixen per matar a Anton, i a la resta del seu equip salvatge, el mentor de la música abusiva és una simfonia de retribucions violentes, plena de voltes i sorpreses. Tot això ens porta al final de la pel·lícula: un epíleg en què Charlotte i Lizzie toquen el violoncel juntament, ja que Anton, ara sense límits, amb els ulls i la boca cosits, es veu obligat a escoltar en silenci immòbil. És ridícul? Sí. Però també és insansament, perversament satisfactòria? Tu betcha!

Hoboman mata el seu gran crític a Velvet Buzzsaw

L’aguda sàtira del món de l’art de Dan Gilroy dividit Consens de crítica i audiència a causa de la combinació agosarada de la pel·lícula de terror horrorós, simbologia insubmesa i actuacions de masteguera de paisatges. Independentment, segueix sent una pel·lícula única estimada per aquells que aprecien aquestes coses. Amb una història que segueix tènuament alguns literalment una obra d'art assassí i un conjunt de brutes pretèrites de la indústria de l'art que són assassinades posteriorment per les obres que esquinçaven en les seves crítiques, Velvet Buzzsaw està ple de declaracions sobre els perills de la reducció de l'art a una mercaderia.

No hi ha cap moment en què aquesta idea brilli més brillant que aquella en què el crític d'art salvatge Morf (Jake Gyllenhaal, en la seva forma superior) és perseguit i assassinat brutalment per una obra d'art anomenada Hoboman, una obra que critica la manca de valor posada en la vida humana. Infondre l'escena amb alguns deliciosos sprints de ironia és el fet que aquesta és la mateixa obra que Morf rendeix sense valor al començament de la pel·lícula quan fa una crítica sobre aquesta que envia la peça a emmagatzematge indefinit.

Mirar a Otoman i atrapar Morf a la tomba primerenca proporciona una justícia delectivament poètica en un moment en què el paper de l'art (i els crítics que el poden matar) continua sent un tema candent de conversa.

La inquietant escena sexual de Christian a Midsommar

Ningú no esperava que Ari Aster servís ni un sol graó de bons moments després de complir deu borsos de malsons totals amb el seu èxit de terror Hereditari. I tot i que gairebé no són les vacances sueces de National Lampoon, Estiu d’alguna manera equilibra un sentit continu del temor amb alguna comèdia veritablement fosca.

dia de la independència 3

Es tracta d’una faceta que es fa seva durant el tercer punt d’inflexió de la pel·lícula, quan el pitjor xicot de l’any Christian (Jack Reynor) està drogat i coaccionat a mantenir relacions sexuals amb una dona que no és la seva xicota, Dani ( Florence Pugh). Per fer-ho encara més incòmode per a tothom, també hi ha un conjunt de dones grans i despullades que guien les cristianes fins a la seva finalització, perquè ...perquè no?

L’escena es reprodueix com la punxada acerbica d’una broma perfectament elaborada. És la estranyament inevitable conclusió de diverses línies argumentals que inclouen Christian menjant un pastís d’encanteri cuit amb un ingredient pertorbador i Dani sabent des de la primera escena de la pel·lícula que el seu xicot sortirà, un fet que va fer encara més devastador. quan ella l’agafa a l’acte amb la meitat de la població de la ciutat.

Fa una experiència de públic molt desorientant en la qual l'espectador no està segur de riure o abraçar-se. Tot i que hi ha escenes òbviament més poderoses i terrorífiques Estiu, aquest és el que millor mostra el gust d'Aster per subvertir les expectatives del públic de la manera més sorprenent i desconcertant possible.

La victòria d'Arthur dansa en Joker

El ball de la llibertat. Les campanes de mort. La sensació viral instantània d'Arthur Fleck (Joaquin Phoenix) va fer caure un cop d'un sol home i es va aixecar un graó de passos cap a 'Rock and Roll Part 2.' Todd Phillips Bromista ha estat una de les pel·lícules més (i divisives) de l'any. I, tot i que hi ha un munt d'escenes més inquietes o temàtiques significatives, la imatge de Fleck celebra victoriosament el seu descens al domini violent que ha esdevingut instantàniament icònic.

Comprensiblement, es va convertir en un meme instantani, combinat amb tot Peppa Pig a Els Simpsons, prestant-li una moneda cultural potent. Fins i tot es van convertir en els passos basats en Bronx on es va rodar l'escena sobrepassat pels turistes durant la nit, amb ganes de picar-se en posicions similars. Alguns d'ells ni tan sols havien vist la pel·lícula encara, però van entendre el seu ric valor Instagrammable.

Independentment de si és la millor escena en Bromista, el moment encapsula perfectament gran part del debat sobre la polarització de la pel·lícula. Per a alguns, la prova de Fleck sobre l'emancipació esbojarrada d'un món que l'ha maltractat i fracassat és una prova Bromistasovint brillantor sense paraules. Per als nois, és un testimoni del que creuen que és un exercici de superficial superficialitat- que ofereix poca profunditat en la conversa sobre els perills socials pertorbadors actuals. Sigui quina sigui la vostra opinió al respecte, és probable que tots encara en parlem durant algun temps.

Tarantino corregeix la història a Once Upon a Hollywood

És com Antón Txékhov va dir un cop: si en el primer acte de la teva història tindràs un flametre ardent, aleshores hauríeu de fer volar aquell noi tan dolent. Família Manson per l’acte final. Quentin Tarantino fa exactament això, en la profunda satisfacció del seu període revisionista, que fa veure Sharon tate (Margot Robbie) s'escapa del seu destí infame i brutalment de la vida real, mentre que Cliff Booth de Hollywood (Brad Pitt) i Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) fan la picadura de la posada sense embuts de Charles Manson.

Ofereix una fantasia de vessament de sang que depèn molt de la tristesa subtext de l'assassinat de Tate Per atraure elació i les rialles entre l'audiència, Tarantino s'endinsa en un territori absurd al mostrar Booth desplegant les seves habilitats per a actuar amb violència de la vida real contra algunes persones molt dolentes. Els cranis es trenquen, les llaunes de menjar per a gossos es converteixen en míssils i abunden els bufandes grisos. Tot un temps, un malbaratat Dalton flota a la seva piscina amb un parell de auriculars gegantins, sens dubte ignorants de la violència que es produeix a la seva pròpia llar.

A Tarantino se li ha preguntat repetidament la seva posició sobre si La violència a la pantalla influeix en la violència del món reali s'ha mantingut inalterable segons la seva opinió que 'la violència real és una violència real. Les pel·lícules són pel·lícules. ' Hi havia una vegada a HollywoodPot ser la seva declaració més atrevida i, en particular el seu feliç final alegre, en portar un personatge que treballa amb violència de ficció en un moment de trauma del món real. I, fent això, el cineasta ofereix un final correcte de fades per a una massacre històrica i horrible.

Usher colpeja el club a Hustlers

El crim de Lorene Scafaria Encoratjadors pot ser un dels estudis més inesperadament brillants de la cessió en borses de 2008 que es va fer al cinema. Després d'una trobada de strippers que roben milers de dòlars a homes benestants després de l'accident, va col·locar una dent colossal als seus negocis, Encoratjadors proporciona una marcada distinció entre l'hedonisme nord-americà anterior al 2008 i la dura recesió que va seguir. Al recordar l’últim gran moment del club de striptease (i possiblement fins i tot Amèrica) on ella i les seves noies treballaven abans del xoc, Destiny (Constance Wu) descriu la nit que Usher va anar a la festa, i l’escena resultant és un fastuós retrat de cobdícia i exuberància.

Filmat amb Benjamins reals (perquè, segons recordava Wu, Scafaria va pensar 'diners falsos semblava massa estrany') i amb Usher interpretant-se a si mateix, l'escena és una fantàstica jubilació de l'excés de finals de la dècada del 00, mentre que és un viatge nostàlgic inigualable, tot sonat amb l'amor de' Us en aquest club 'de Usher. El resultat és una escena que gaudeix de ser meta, alhora que pulsa amb la ironia dramàtica que aquesta casa de benjamins està a punt de caure en qualsevol moment. Com va dir Scafaria Thrillist, l'escena és fonamental per moltes raons. 'Crec que tots érem culturals abans del cop. Crec que la cultura pop va arribar a un punt àlgid. Tothom vivia en excés. Sentia que els diners plovia des del cel i, aleshores, òbviament, no era el següent.

enginyers aliens

L’enfrontament samoà a Hobbs & Shaw

Ràpid i furiós Els aficionats a la franquícia saben què esperar amb l'arribada de cada nova pel·lícula: una acció més gran, millor i fins i tot més descabellada que l'última. El enfrontament de Samaon de Regals ràpids i furiosos: Hobbs & Shaw realment va augmentar el joc i va pagar el servei de fan a aquells que fa temps que es van delectar amb les habilitats absurdament sobrehumanes dels homes durs de la pel·lícula. Aquesta vegada, Luke Hobbs de Dwayne Johnson va fer caure un helicòpter amb les mans nues, fixant un nou precedent per a les delirants vitrines del masclisme de la franquícia.

Però també era molt més que una simple flexió d’hipermasculinitat. Ambientada a Samoa amb un gran repartiment d’actors polinèsics a la mà per ajudar a enderrocar el mercenari millorat genèticament d’Idris Elba, l’escena va utilitzar una cultura que rarament rep representació a la pantalla per a una de les peces més grans de la franquícia. El guionista fins i tot Chris Morgan històries incorporades de la criança de Johnson per oferir a l'escena certa autenticitat familiar en el desenvolupament d'un fons històric per a Hobbs, amb el cosí de Johnson (Joe Anoaʻ'i, més conegut com el lluitador Roman Reigns) també va protagonitzar l'escena. Va dir Johnson El timbre, 'Va ser una oportunitat real per mostrar una de les meves pròpies cultures autèntiques al món'.

Posteriorment, l’escena barreja l’acció d’octans alts amb autèntics pathos, explorant l’estrès tan rellevant que pot sorgir quan es torna un retard de llarga tornada a casa (per descobrir que la teva mare ha llençat totes les seves coses precioses, ni més ni menys. ). Però amb un munt de punys i explosions que, per sort, no arriben a casa nostra.

El bany de sang d’aniversari a Parasite

Ofereix una sàtira semblant que explora divisions de classe en eixampla constant, l'obra mestra còmica de Bong Joon-HoParàsit ofereix una narració commovedora i xocant plena de girs desconcertats i inesperats. Explorant la història d'una família desestimada que treballa com a individus per a una família obscenament rica, la pel·lícula arriba a una conclusió horrible en què els pobres es veuen obligats a lluitar entre ells fins i tot pels més baixos i terribles dels restes. Tots els temes explorats per Joon-Ho es veuen a la mà de la festa d'aniversari en l'acte final, durant el qual apareix un home que ha viscut al soterrani de la casa de la família rica per un violent acte de venjança.

Es tracta d’una allau de vessament de sang que sembla aparentment fora del lloc i que s’acosta fins a finals tràgics. Els que viuen en la servitud i (literalment) sota aquesta família rica acaben enfrontant-se els uns contra els altres en lloc de reconèixer els veritables vilans que mantenen la seva lluita: la família rica que no té al seu patiment. Per a una pel·lícula que es delecta amb la marca autodescrita de Joon-Ho d ''humor desconcertat', la imprevisible i grisament seqüència anuncia el missatge principal de la pel·lícula amb un cop de puny gutural que porta directament a una conclusió morosa. Com va dir el cineasta Voltor'És bastant cruel i trist, però vaig pensar que era real i honest amb el públic.'